Jazz Frisson

J'veux du soleil

2012-01-09T18:16:00.005-05:00

Au Québec, nous sommes presqu'au milieu de l'hiver. Nous entrons, disent les experts, dans la période de l'année la plus propice à la dépression. Cette période trouble culminera le troisième lundi de janvier, le 16, dans une semaine. Ce sera le «Blue Monday». Alors, voici un peu de soleil musical pour vous remonter le moral! Vaut mieux prévenir que guérir! Allez Hop!!

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Sam Rivers nous a quitté

2012-01-03T13:22:00.008-05:00

Frisson News

Le saxophoniste américain Sam Rivers, l'un des géants du free jazz, est décédé d'une pneumonie à l'âge de 88 ans à Orlando, en Floride, le 28 décembre dernier. Né dans l'Oklahoma au sein d'une famille de musiciens, Sam Rivers avait embrassé la vague du be-bop dans les années 1950 et avait joué avec Billie Holiday, avant de rejoindre Miles Davis en 1964 et d'apparaître sur l'album Live Miles in Tokyo la même année.

Il a signé sous son nom plusieurs albums révolutionnaires pour le label Blue Note, notamment Fuchsia Swing Song.

Il a aussi joué avec le bassiste Dave Holland et le batteur Tony Williams.

Dans les années 1970, il avait décidé d'ouvrir, avec sa femme Bea, les portes de son loft new-yorkais à d'autres interprètes. Baptisé Studio Rivbea, l'endroit allait devenir un lieu de ralliement pour les musiciens et amateurs de jazz. La décennie suivante, il joue pendant quatre ans dans le groupe United Nations de Dizzy Gillespie et s'installe à Orlando, où il rassemble de nombreux talents pour créer son propre big band, le Rivbea Orchestra. Il continue de répéter de façon hebdomadaire avec son band au Orlando Musician's Union Hall, jusqu'en septembre 2011.

R.I.P. Sam.

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Un Noel Swing!

2011-12-15T00:01:00.001-05:00

Joyeux Noël!

Jazz Frisson souhaite à tous ses lecteurs et amis blogueurs un très Joyeux Noël! Et comme le dit La Poune, une figure légendaire du folklore québécois, "Swingnez vot' compagnie" dans l'temps des Fêtes! Moi aussi, "J'aime mon public", tout comme La Poune, et pour célébrer cette Nouvelle Année qui s'amorce bientôt, je vais "Prendre un verre de bière mon Minou" à votre santé, chers amis!

J'ai réalisé ma photo de Noël le weekend dernier chez moi, à la suite d'une légère chute de neige matinale. Les plus astucieux d'entre vous auront sans doute remarqué que la pochette du disque de La Poune que j'ai utilisé pastiche un album de Noël d'un artiste connu mondialement. De quel artiste s'agit-il?

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Chet Baker - Somewhere Over The Rainbow

2011-12-07T11:33:00.005-05:00

Ce billet est dédié à la mémoire de ma cousine Claudine qui nous a quitté récemment. Je crois que la musique de Chet saura lui apporter paix et réconfort au-delà de l'arc-en-ciel.

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L'Off Festival de Jazz de Montréal 2011

2011-09-19T17:00:00.001-04:00

Frisson News

Présenté désormais chaque automne, L’OFF JAZZ déploie sa 12e édition du 7 au 15 octobre 2011, sur neuf scènes montréalaises, avec 27 concerts et plus de 90 musiciens et 55 choristes.

Avec une programmation qui allie qualité musicale, créativité et expression libre, le festival, créé en 1999 par des musiciens passionnés, est devenu le rendez-vous des projets originaux et des collaborations inattendues. Audace, fougue, créativité, folie, spontanéité, fraîcheur sont parmi les maîtres mots de cette 12e édition, comme en témoigne le visuel de l’affiche qui nous invite à retrouver notre cœur d’enfant.

L’OFF JAZZ 12e prend son envol le vendredi 7 octobre, au Chic Cabaret Le Lion d’or, avec une soirée toute sémillante à deux temps, dans laquelle s’interfèrent tradition et modernité. À 20 h, place au Trio Derome Guilbeault Tanguay, groupe culte de la scène de jazz montréalaise et à 21 h, l’univers free jazz teinté de musique klezmer du saxophoniste Damian Nisenson de NoZen se conjugue à la pop éclatée de l'inénarrable montréalais Socalled.

Des 5 à 7 se déroulent au Club Le Dièze onze, où trios, quatuors et quintettes prennent tour à tour le relais, révélant, en sept concerts, la variété des styles d’un jazz d’une sensibilité toute contemporaine.

Les concerts de 20h proposent un jazz éclaté sans cesse renouvelé et ceux de 21h30, des soirées enflammées avec des figures de proue de la scène jazz et musique improvisée montréalaise, française, belge et torontoise qui offriront de grands moments de rencontres dans des terrains de jeux plus que fertiles.

À noter, la présence de la contrebassiste, improvisatrice et compositrice française Joëlle Léandre, une des figures dominantes de la nouvelle musique européenne. Samedi 8 octobre à 20h, elle joue sur la scène du Cabaret Le Lion d’Or, d’abord en solo, puis avec huit musiciens de l’Ensemble Super Musique, véritables aficionados de la musique actuelle montréalaise et maîtres de l’improvisation. Au programme : canevas et partitions graphiques de Jean Derome, Joane Hétu, Joëlle Léandre et Danielle P. Roger. Une soirée exceptionnelle et ludique où spontanéité, générosité et partage sont à l’honneur.

Parmi les grands moments du festival, le collectif torontois, dirigé par la chanteuse Christine Duncan et le percussionniste Jean Martin, présente The Element Choir Project, un grand orchestre atypique composé de 55 choristes et de cinq musiciens réunis dans la magnifique église Saint-Viateur d’Outremont.

Pour le concert de clôture, l’équipe de L’OFF JAZZ a formé, pour une deuxième année, un ensemble sur mesure, en regroupant des musiciens compositeurs et improvisateurs. Cela donne Il était une fois dans L’OFF, prise 2!

On retrouvera l'information détaillée sur la programmation et comment se procurer les billets sur le site de l'OFF JAZZ ici. Un grand moment pour les véritables amateurs de Jazz à Montréal!

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Stéphane Belmondo à Montréal

2011-06-26T11:14:00.002-04:00

Critique CD

La polyvalence de Stéphane Belmondo ne fait plus de doute. Des collaborations qui l'ont vu successivement croiser la route de personnalités aussi diverses que Dee Dee Bridgewater, Horace Silver, Laurent Cugny, Michel Legrand, le DJ Fred Galliano et, plus récemment, Yusef Lateef et Milton Nascimento. J'ai eu le plaisir déjà d'assister à de telles rencontres, dont j'ai fait état dans un précédent billet ici.

Or, son dernier disque, The Same as it never was before, nous montre cette facette multiforme du trompettiste. Déjà, l'entourage est gage de liberté et d'invention. La présence du pianiste Kirk Lightsey (né en 1937), véritable mémoire vivante du jazz, dont il est impossible de citer toutes les associations tant elles ressembleraient à un Who's Who du jazz moderne. Lightsey est également empreint du son de « Motown », la ville de Detroit qui a vu naître Yusef Lateef (qu'il accompagna à ses débuts) et Stevie Wonder (dont il connaît le répertoire par coeur). Deux références pour Stéphane, qui avec You and I opère une nouvelle reprise au répertoire de Stevie. À la batterie, la réputation de Billy Hart (né en 1940) n'est plus à faire. Le jeune contrebassiste Sylvain Romano complète le quartette.

C'est un espace de liberté qui s'installe ici, très ouvert. Belmondo ajoute les conques marines à la trompette et au bugle. Un jazz ouvert donc, sur l'Afrique, la pop et la soul de Motown. Les touches de free ponctuent le discours par moment, mais Belmondo est un mélodiste du rythme. La propulsion est insistante mais jamais lourde. Son jeu est toujours très lumineux. Je vous recommande fortement The Same as it never was before.

Le Stephane Belmondo Quartet est en spectacle au Festival International de Jazz de Montréal lundi le 27 juin à 22h30. Informations ici. À ne pas manquer!

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Abdullah Ibrahim et le temps dérobé

2011-06-20T18:00:00.013-04:00

Critique CD

Pour son édition estivale, notre groupe de blogueurs jazz, le Z Band, a décidé de rendre hommage à la musique du continent africain. Je vous invite donc à visiter les liens vers leur blogue respectif en fin d'article. Pour ma part, je vous propose un portrait du pianiste d'origine sud-africaine Abdullah Ibrahim.

Allons-y avec un peu d'histoire, tiré de Wikipedia. Devenu Abdullah Ibrahim en 1968, Adolph Johannes "Dollar" Brand, est né au Cap le 9 octobre 1934. Au début des années 1960, Dollar Brand forme le groupe The Jazz Epistles. Ensuite, avec Sathima (Bea Benjamin), sa femme, il part en Europe, et à Zurich le destin musical de Brand prend forme : Duke Ellington remarque le pianiste et la chanteuse lors d'un concert et décide de la présenter à Reprise Records. En 1965, il permet au pianiste de jouer au Newport Jazz Festival au sein du Ellington Orchestra. Puis Abdullah joue entre autres en solo au Carnegie Hall et Ellington lui permet d'être réellement célèbre lorsqu'il l'inclut dans son orchestre pour une série de concerts au piano. Par la suite, il fera une grande carrière, jouant et enregistrant avec Elvin Jones, Max Roach, Don Cherry, ou Archie Shepp.

Débutons notre rétrospective avec un très rare enregistrement vinyle de The Jazz Epistles, Verse 1, le tout premier album jazz par un groupe de musiciens noirs en Afrique du Sud. On y retrouve Abdullah Ibrahim (alors Dollar Brand) au piano, Kippie Moeketsi au saxophone alto, Jonas Gwangwa au trombone, Hugh Masekela à la trumpette, Johnny Gertze à la contrebasse, et Early Mabuza ou Makaya Ntshoko à la batterie.

En 1960, le Massacre de Sharpeville marqua le début d'une répression de plus en plus grande de la culture africaine. Le jazz, force musicale qui prône l'égalité sociale ne fit pas exception. Les retransmissions de spectacles sur les ondes radio furent interdites et certains musiciens en vue devinrent la cible des autorités. Lorsque les membres de Jazz Epistles eurent la chance de se produire en Europe pour une revue musicale, ils saisirent l'opportunité. Avec comme résultat que la musique la plus aventureuse de l'Afrique du Sud s'est épanouie en dehors des frontières du continent pendant plusieurs décennies.

Ils nous ont volé le temps, puis ils nous ont donné l'horloge. Abdullah Ibrahim

Ibrahim s'établit alors à Zurich avec son épouse. Il retourne brièvement en Afrique du Sud en 1976, pour finalement s'établir à New-York cette mêne année. Sa production des années 80 reflète ses influences musicales importantes, Duke Ellington, Thelonious Monk et Billy Strayhorn. Ici, la pièce Blue Monk de l'album African Dawn, paru en 1982.

Bien qu'il soit retourné vivre en Afrique du Sud en 1990, Ibrahim partage aujourd'hui son temps entre New-York et son pays natal. Ses dernières compositions de la fin des années 90 et des années 2000 représentent un retour aux traditions africaines indigènes qui s'expriment très clairement dans les arrangements. Un de mes albums préférés de cette période est Cape Town Revisited, enregistré en concert au Spier Estate à Cape Town en décembre 1997. Une merveille d'authenticité, de grâce et de spiritualité. On approche ici du sublime. On y retrouve la trompette fougueuse de Feya Faku sur quelques pièces. Je vous propose ce clip, enregistré à Leverkusen, Allemagne en 2007, tout aussi magnifique. Avec Belden Bullock à la contrebasse et George Gray à la batterie. Du grand art.

Toute la musique d'Abdullah Ibrahim est intimement liée à la lutte pour la défense des peuples sud-africains contre l'apartheid. Nelson Mandela a salué samedi le 11 juin dernier la mémoire de l'héroïne de la lutte anti-apartheid, Albertina Sisulu à l'occassion de ses funérailles dans un stade historique de Soweto. Au cours de sa vie, elle a été dans la ligne de mire des autorités de l'apartheid, emprisonnée à plusieurs reprises et "bannie", une mesure qui limitait ses mouvements et le nombre de ses visiteurs.

"A travers ta générosité et ta dévotion, ton autorité morale et ton humanisme sincère, pendant et après la lutte tu as dignement mérité d'être (appelée) la mère de tous nos peuples", a ajouté Mandela dans son communiqué lu par sa femme Graca Machel.

Partez vers d'autres aventures musicales africaines ici:

Maître Chronique: Coltrane "Africa brass"

Jazzques: Une interview d'Oran Etkin

Mysterio Jazz: Le guitariste malgache D'Gary

Ptilou’s Blog: Ballaké Sissoko & Vincent Ségal

Flux Jazz: Bobby Few "Beautiful Africa"

jazzOcentre: La trilogie Sclavis/Romano/Texier

Jazz Frisson : Abdullah Ibrahim et le temps dérobé

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Google Doodle en hommage à Les Paul

2011-06-09T13:01:00.006-04:00

Frisson News

Aujourd’hui, Google a choisi de rendre hommage au virtuose de la guitare Lester William Polfuss, mieux connu sous le nom Les Paul, à l’occasion du 96ème anniversaire de sa naissance.

J’ai déjà consacré un billet à Les Paul ici. Il est né le 9 juin 1915 à Wisconsin et décédé il y a 2 ans à New York. Il était guitariste et concepteur d’instruments du même nom. Il a joué un rôle remarquable dans le développement des guitares électriques, les techniques d’enregistrement multipiste et divers systèmes d’effets spéciaux. Les guitares Gibson Les Paul, bien connues des musiciens, ont acquis une renommée quasi mythique.

Comme vous l’aurez certainement remarqué, le logo du Google du jour est interactif. Les cordes de guitare de ce doodle dynamique réagissent au passage de la souris sur ces dernières. Vous pouvez même jouer des notes avec le clavier si vous cliquez sur le bouton situé en bas du doodle, à droite, afin qu’il devienne rouge. Il est également possible d’enregistrer. Ingénieux!

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Gil Scott-Heron, le parrain du rap, meurt à 62 ans

2011-05-29T10:38:00.001-04:00

Frisson News

Il était considéré comme l'un des pères fondateurs du rap. Le poète, écrivain et musicien afro-américain Gil Scott-Heron est mort vendredi à l'âge de 62 ans dans un hôpital de New York, a annoncé sa maison de disque, XL Recordings.

Surnommé parfois "le parrain du rap", Scott-Heron avait créé dans les années 1960 le style "spoken word", une forme de poésie orale accompagnée ou non de musique. Il devient célèbre avec le titre "The Revolution Will Not Be Televised", qui s'attaque aux inégalités sociales dont sont victimes les Noirs aux Etats-Unis. Son style musical, avec des albums comme "Pieces of a Man" et "Winter in America", et son engagement politique ont contribué à l'explosion de la culture hip-hop aux Etats-Unis. "Le phrasé urbain, inspiré et agressif de Gil Scott-Heron a inspiré des légions de rappeurs", indique le site spécialisé Allmusic.com. La musique de Scott-Heron reflétait également son combat contre la dépendance à l'alcool et aux drogues. Son dernier album "I'm New Here", est sorti en 2010.

RIP à un des plus grands

Fils du footballeur Gil Heron, premier joueur noir du Celtic de Glasgow, et d'un mère bibliothécaire, Scott-Heron passe son enfance entre le Tenessee et le Bronx, un quartier populaire de New York. Auteur de son premier recueil de poésie à l'âge de 13 ans, il publie "Vulture" (Vautour) in 1968, un livre salué par la critique. Les textes de Scott-Heron appellent à la révolte face à une Amérique blanche sans pitié pour les minorités. "La révolution est le changement et le changement est inévitable, alors plutôt que de le subir, autant en être l'auteur", déclarait-il au journal San Francisco Bay View en 2009.

"Son talent était immense. C'était un grand parolier, chanteur, orateur et joueur de piano", écrit Richard Russell, patron de XL Recordings, sur son blog. "Gil fuyait les pièges de la célébrité et du succès. Il aurait pu avoir toutes ces choses. Mais il était plus que ça. Il a toujours semblé désintéressé par l'argent. A ma connaissance, il n'a jamais accepté aucune récompense", ajoute Richard Russell.

Après l'annonce de mort de l'artiste, les hommages affluaient sur Twitter, notamment de la scène rap américaine. "Repose en paix Gil Scott-Heron. Il a influencé tout le hip-hop", a commenté le rappeur Eminem sur son compte Twitter. "RIP à un des plus grands", a dit Snoop Dogg. Des hommages provenaient également des Beasty Boys ou de P. Diddy (ex Puff Daddy). "J'espère qu'ils ont envoyé une limousine pour le conduire jusqu'à Dieu, s'il y en a un. Merci pour tout ce que tu nous as donné", a écrit un internaute, @BOTOXARTIST. (D'après agence)

On peut lire le billet que j’ai consacré à Gil Scott-Heron ici.

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Faithfull à Montréal, Jus de Bocse à Ottawa

2011-05-09T17:05:00.009-04:00

Frisson News

Voici mes choix pour le Festival International de Jazz de Montréal (FIJM) qui se tiendra du samedi 25 juin au lundi 4 juillet 2011 prochain.

27 juin : Stéphane Belmondo Quartet

28 juin : Tigran Hamasyan Quintet

29 juin : Darcy James Argue Big Band

1 juillet : Trio Pilc Moutin Hoenig

4 juillet : Marianne Faithfull

S'ajouterons à ma liste quelques concerts gratuits au gré de l'inspiration du moment.C'est souvent l'endroit de belles découvertes.

Le FIJM est une bête tricéphale. La partie la plus visible est le volet grand public, celui qui attirera les foules. Il fait vibrer la fibre nostaliques d'une ère dévolue : Marianne Faithfull, Peter Frampton, Robert Plant & The Band of Joy. Bah! J'avoue n'avoir pu résister à l'attrait irrésistible de Marianne! Bien que j'ai toujours cette crainte que les icônes de ma jeunesse s'autodétruisent devant mes yeux...

Un deuxième volet regroupe les valeurs sûres du jazz. Tout y est pour éviter les surprises désagréables : Nikki Yanofsky et l’Orchestre Métropolitain, Diana Krall, Madeleine Peyroux, Holly Cole. Des valeurs familiales, rassurantes. Amenez-y tous vos amis sans aucune crainte. Succès assuré!

Puis il y a la frange du festival qui intéresse plus particulèrement les amateurs de jazz. Les artistes émergents, avant-gardistes, inconnus du grand public pour la plupart. Le pianiste arménien Tigran Hamasyan avec son quintette, l’oudiste tunisien Anouar Brahem, le big band de Darcy James Argue de New York, les deux saxophonistes alto Bunky Green et Rudresh Mahantappa, le pianiste et violoniste français Thomas Enhco, le trompettiste français Stéphane Belmondo, le pianiste et chanteur Steve Amirault, le saxophoniste Jean-Pierre Zanella, récipiendaire du Prix Oscar-Peterson cette année.

Ce troisième volet du festival, qui constitue la partie émergente du jazz, est souvent la partie congrue du FIJM. On y trouvera certes de quoi alimenter sa passion du jazz et il faut bien reconnaître ici encore une fois la qualité des concerts présentés à la salle du Gésu. Déception toutefois cette année d'apprendre par mon ami Ptilou, que si l'envie vous tiraille de voir le Jus de Bocse de Médéric Collignon, c'est au Ottawa Jazz Festival le 28 juin que ça se passe...

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Gil Scott-Heron - We Almost Lost Detroit

2011-03-20T13:00:00.007-04:00

Jazz et Poésie

Cette édition printanière de la publication d'un billet commun de notre groupe de blogueurs se fait sous le thème "Jazz et Poésie". De tous les temps, la poésie a servi de véhicule pour dénoncer les travers de notre société. De Victor Hugo à Abdellatif Laâbi, plusieurs poètes et écrivains ont pris position sur des enjeux de sociétés. Ce qui a valu à certains d'entre eux la censure, la prison ou même le goulag.

En raison des évènements qui ont cours au Japon, je vous propose d'écouter et surtout de lire les paroles prémonitoires de Gil Scott-Heron, célèbre pour ses chansons-poèmes. J'ai traduit la chanson en français pour vous plus bas.

We Almost Lost Detroit

It stands out on the highway
Like a creature from another time
It inspires the babies' questions ("What's that?")
For their mothers as they ride
But no one stopped to think about the babies or
How they will survive
And we almost lost Detroit
This time
How will we ever get over
Losing our minds
Just thirty miles from Detroit
Lies a giant power station
It ticks each night as the city sleeps
Like a creature from another time
But no one stopped to think about the people or
How they will survive
The sheriff of Monroe County's got
Sure enough, disasters on his mind
But what would Karen Silkwood [1] say to you
If she was still alive
That when it comes to people's safety
Money wins out every time
Almost lost Detroit
That time
How could we ever get over
Cause odds are
We're gonna lose somewhere, one time
Odds are
We're gonna lose somewhere, sometime
And how would we ever get over
losing our minds (X2)
Didn't they, didn't they decide
Almost lost Detroit
that time
Damn near totally destroyed
One time.
Didn't all of the world know?
Say didn't you know?
We almost lost Detroit

We Almost Lost Detroit (Nous avons presque perdu Detroit, traduction libre)

Elle se détache sur une autoroute
Semblable à une créature sortie d'un autre temps.
Les bébés posent la question : " Qu'est-ce que c'est? "
À leurs mères au volant.
Or personne ne s'est donné la peine de réfléchir à l'avenir des nouveau-nés,
Ni à comment ils pourraient survivre...
Du reste, nous avons presque perdu Detroit
Pour cette fois-ci.
Comment allons-nous surmonter le fait
De perdre la tête?
À moins de trente miles de Detroit
Se trouve cette immense centrale nucléaire.
Qui fait tic tac chaque nuit pendant que la ville dort
Comme une créature d'un autre temps.
Or personne ne s'est donné la peine de réfléchir aux gens
Ni à comment ils pourraient survivre...
[Refrain]
Le shérif du comté de Monroe a,
Évidemment, pensé aux catastrophes.
Mais qu'est-ce que Karen Silkwood [1] aurait bien pu vous dire,
Si elle était encore en vie?
Que lorsqu'il s'agit de la sécurité des gens
L'argent l'emporte à chaque fois.
[Refrain]
Presque perdu Detroit cette fois-ci
Comment s'en sortir?
Parce que les chances sont
Qu'un jour, quelque part, nous perdrons.
Les chances sont
Qu'un jour, quelque part, nous perdrons.
[Refrain]
N'ont-ils pas décidé? N'ont-ils pas décidé?
Ils ont presque perdu Detroit cette fois-là.
Presque complètement détruite, cette fois-là.
Le monde entier ne s'en est-il pas rendu compte?
Dis-moi donc que tu ne savais pas?
Que nous avons presque perdu Detroit.

On attribue souvent la paternité du rap à Gil Scott-Heron. Son style de chant en "spoken word", son commentaire social collé à la réalité de la rue et sa musique influencée par le jazz et le funk en ont fait un matériau de choix pour toute une génération de rappeurs. Il est un artiste majeur de la scène afro - américaine. Son oeuvre, musicale ou écrite, reflète une volonté de dénoncer les problèmes politiques et sociaux.

La chanson We Almost Lost Detroit est tirée de l'album Bridges de Gil Scott-Heron, Brian Jackson et le Midnight Band paru en 1977. La chanson reprend le titre d'un livre de John G. Fuller paru en 1975 et relatant une fusion partielle du Réacteur 1 de la Centrale nucléaire de Fermi près de Monroe au Michigan en 1966. D'où, bien entendu, le titre "Nous avons PRESQUE perdu Detroit" et aussi la référence au shérif de Monroe dans la chanson. Les opinions de Scott-Heron contre l'énergie atomique sont bien connues. La chanson a également été emblématique de l'album et des concerts No Nukes dans les années 80 pour protester contre l'énergie atomique. On peut certainement qualifier Gil Scott-Heron de poète engagé.

[1] Karen Silkwood était une syndicaliste et activiste américaine qui trouva la mort dans des circonstances demeurées mystérieuses, au cours de la nuit du 13 au 14 novembre 1974 près d'Oklahoma City. Karen Silkwood travaillait à l'usine Kerr McGee près de Crescent, Oklahoma, l'un des plus grands laboratoires de traitement de l'uranium aux États-Unis. Elle avait été sérieusement contaminée par du plutonium. Elle s'apprêtait à faire des révélations à la presse sur les conditions de sécurité dans les usines qui manipulent du plutonium. Entre 1970 et 1975, il y eut 574 cas de contamination constatés à l'usine de Kerr McGee. En 1975, la Commission de l'Énergie atomique ordonna sa fermeture. En 1979, un Jury condamna le laboratoire à payer à la famille de Karen Silkwood des dommages et intérêts pour la somme colossale de dix millions de dollars.

Alors? Dites-moi que vous le ne saviez pas???
Nous avons presque perdu Detroit.

Un médecin mesure le degré d'exposition aux radiations grâce à un compteur Geiger, près de la centrale nucléaire de Fukushima, Japon.

Didn't all of the world know?
Say didn't you know?
We almost lost Detroit.

Poursuivez la lecture des billets des autres membres du Z Band sur le thème "Jazz et Poésie" par ici. Les liens seront mis-à-jour au fur et à mesure des publications du groupe:

Flux Jazz : Michel Potage, Occupé

Ptilou’s Blog: Youn Sun Nah, "Avec le temps"

Jazzques : Nicolas Kummert, "Voices"

jazzOcentre : Bernard Lubat, "La Poïélitique"

Belette & Jazz : Steve Dalachinsky

Jazz Frisson: Gil Scott-Heron, We Almost Lost Detroit

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Aidez les victimes du séisme et du tsunami au Japon!

2011-03-12T12:53:00.021-05:00

Frisson News

Nos pensées sont avec le peuple japonais qui se relève de cette terrible épreuve.

It is the evening of the day,
I sit and watch the children play.
Smiling faces I can see, but not for me,
I sit and watch as tears go by.

My riches can't buy ev'rything,
I want to hear the children sing.
All I hear is the sound of rain falling on the ground,
I sit and watch as tears go by.

It is the evening of the day,
I sit and watch the children play.
Doin' things I used to do they think are new.
I sit and watch as tears go by.

Compositeurs: Mick Jagger, Keith Richards, Andrew Oldham. Chanté par Marianne Faithfull.

Comment aider?

Si, comme moi, vous avez été horrifié par les images du tremblement de terre et du tsunami qui ont frappé le Japon hier, vous pouvez contribuer financièrement en donnant selon vos moyens à une organisation réputée. Je recommande une organisation globale comme la Croix-Rouge. On expliquait hier dans un reportage de France 24 comment la Croix-Rouge japonaise est particulièrement bien organisée. Au Canada, le site de la Croix-Rouge est le http://www.croixrouge.ca/

Mise-à-jour

La communauté des blogueurs s'organise

Voici plus bas quelques blogues amis qui affichent leur soutien au peuple japonais.

Vesna, "Ode to Hope"

Ptilou’s Blog, "Blowing With The Wind"

La Croix-Rouge canadienne rapporte déjà un afflux de dons grâce à l'apport des médias sociaux. Voir l'article ici.

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Ho capito che ti amo

2011-02-14T00:05:00.006-05:00

Jazz Fripon

Ornella Vanoni, qui chante Ho capito che ti amo, accompagnée de Gerry Mulligan.

Ornella Vanoni est une chanteuse et actrice italienne, originaire de Milan. Dans les années 1970 commence une amitié artistique avec Vinicius de Moraes et Toquinho qui donnera naissance au LP La voglia, la pazzia, l'incoscienza e l'allegria en 1976. Ce sont ensuite au cours des années 1980 les LP Ricetta di donna, Ti lascio una canzone puis Uomini en 1983, auquel collabore le saxophoniste baryton et soprano Gerry Mulligan.

Gerry Mulligan est décédé le 20 janvier 1996. La Fondation Gerry & Franca Mulligan a été établie en 2001 par Franca Mulligan pour réaliser le désir de Gerry de permettre aux jeunes musiciens moins fortunés de fréquenter les écoles de musique. La Fondation s'applique également à faire connaître la musique de Gerry Mulligan à des fins éducatives. Ce qui a donné naissance, entre autres, au Mulligan Mosaics Big Band. Une belle initiative pour perpétuer la mémoire de Gerry Mulligan.

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Eric Legnini and The Afro Jazz Beat – The Vox

2011-02-04T17:03:00.002-05:00

Critique CD

Le nouvel album du pianiste français Eric Legnini, à paraître le 3 mars prochain, s'intitule The Afro Jazz Beat, The Vox. Chaque mot compte. Le jazz, canal historique, entendez progressiste comme il y a eu un rock progressif, une « musique qui cherche et improvise au goût du jour », comme le fit en son temps Ellington, l'un des maîtres à penser d'Eric Legnini. L'afro, versant rythmique, traduisez des cadences obliques, comme celles des glorieuses années 70 de Tony Allen. Le beat, tendance esthétique, comprenez la culture du funk, du hip-hop, du sample, de la boucle, « une idée de transe entre les lignes ». « Je voulais que cela reste du jazz dans les harmonies, mais que cela soit de l'afro-beat dans sa fonction », d'ajouter Legnini. À l'image du chant de Krystle Warren, la muse afro-américaine dont la présence clair-obscur ajoute un nécessaire parfum d'ambiguïté : ses mots habitent six des onze thèmes, des chansons qui oscillent entre les teintes mélancoliques du folk et les tessitures plus soyeuses du soul. L'album s'inscrit en parfaite continuité avec la trilogie de Legnini, Trippin' , Big Boogaloo et enfin Miss Soul, dont j'ai déjà parlé dans ce billet.

The Vox, c'est aussi l'aventure d'un groupe. Au centre, la fidèle paire rythmique tout terrain, Frank Agulhon aux baguettes et Thomas Bramerie à la contrebasse, renforcée par deux guitaristes, le Belge Daniel Roméo, bassiste funk et ami d'enfance de Legnini, et le Congolais Kiala Nzavotunga, compagnon de route de feu Fela et fondateur du groupe Ghetto Blaster. Et le fil d'Ariane, la voix de Krystle Warren. Quoi de plus normal pour celui qui a accompagné plus d'une fois des chanteurs de tout horizon, du hip-hop au jazz, d'Henri Salvador à Yaël Naïm, de Souleymane Diamanka à Christophe? « Avec la voix, tout devient plus clair, plus lisible. Au premier degré ». Résolument intime et fédératrice, l'empreinte artistique de Krystle Warren frappe par sa modernité. Krystle Warren est originaire de Kansas City. Elle s'installe à New York où elle enchaîne concerts et jazz sessions. Avec un caractère bien trempé et une personnalité hors du commun, elle impose sa voix particulièrement chaude et rocailleuse. Ajoutez son flow d'instinct soul et vous comprendrez vite pourquoi la demoiselle est un phénomène scénique. Krystle Warren déchaîne vite les foules aux États-Unis où elle a accessoirement tourné avec Martha Wainwright et Erykah Badu.

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Le frisson musical

2011-01-28T17:05:00.002-05:00

Frisson News

Des chercheurs montréalais ont découvert que l'expérience agréable que procure l'écoute de musique libère de la dopamine, un neurotransmetteur important associé à des plaisirs plus tangibles et des récompenses comme la nourriture, la drogue et le sexe. La nouvelle étude de l'Institut et hôpital neurologiques de Montréal – le Neuro – de l'Université McGill révèle aussi que même l'anticipation d'une musique agréable libère de la dopamine [comme c'est le cas avec la nourriture, la drogue et le sexe]. Les résultats, publiés dans la prestigieuse revue Nature Neuroscience, avancent les raisons pour lesquelles la musique, dénuée de valeur évidente de survie, est si importante dans la société humaine.

L'équipe du Neuro a mesuré la libération de dopamine en réaction à de la musique qui suscite un « frisson », à savoir des changements dans la conduction cutanée, la fréquence cardiaque, la respiration et la température corrélés avec les degrés de contentement de la musique. Le « frisson musical » est un marqueur bien établi des pics émotionnels ressentis à l'écoute de musique. Une nouvelle combinaison de techniques d'imagerie cérébrales par TEP et IRMf montre que la libération de dopamine est plus grande à l'écoute de musique agréable par opposition à de la musique neutre, et que les niveaux de libération sont corrélés avec le degré d'éveil émotionnel et les degrés de contentement. On sait que la dopamine joue un rôle essentiel dans la constitution et le maintien de comportements biologiquement nécessaires.

« Ces constatations fournissent des indices neurochimiques sur le fait que des réactions émotionnelles intenses à la musique font intervenir un ancien système de récompenses dans le cerveau », explique le professeur Robert Zatorre, neuroscientifique au Neuro. « Il s'agit à notre connaissance de la première démonstration de la libération de dopamine par une récompense abstraite comme la musique. Des récompenses abstraites sont en grande partie de nature cognitive, et cette étude ouvre la voie à de la recherche future portant sur des récompenses non tangibles que les humains considèrent comme gratifiantes pour des raisons complexes. »

Cette étude innovatrice, qui a eu recours à une combinaison inédite de techniques d'imagerie, montre que l'anticipation et l'expérience de l'écoute de musique agréable libèrent de la dopamine, un neurotransmetteur du cerveau vital au renforcement de comportements nécessaires à la survie. L'étude a aussi montré que deux différents circuits du cerveau interviennent dans l'anticipation et l'expérience, respectivement : un lié aux systèmes cognitif et moteur, donc la prédiction, l'autre au système limbique, donc la partie émotionnelle du cerveau. Ces deux phases correspondent aussi à des concepts en musique, comme la tension et la résolution.

Parmi les pièces musicales écoutées par les volontaires participants à l'étude, on retrouvait plusieurs morceaux classiques, mais aussi Moby Dick de Led Zeppelin et Misty de Joe Pass. Enfin! La preuve scientifique que le nom de ce blogue n'est pas usurpé…

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Taxer Google pour sauver les dinosaures

2011-01-25T17:05:00.002-05:00

Frisson News

Au MIDEM (Marché international du disque et de l'édition musicale), Frédéric Mitterrand, le ministre français de la Culture et de la Communication, a relancé la «taxe Google», rapportait Le Figaro ici. «Je souhaite que soit à nouveau envisagée la mise à contribution des grands acteurs de l'Internet», a indiqué le ministre, estimant que ces derniers «sont les débiteurs de ceux qui créent, de ceux qui composent, de ceux qui interprètent et transmettent les œuvres culturelles». «Je n'accepte pas l'idée de notre impuissance à mettre à contribution les revenus vertigineux de la publicité en ligne qui sont réalisés en France par des acteurs opérant souvent à partir de territoires fiscalement attractifs», a-t-il insisté, sans toutefois préciser son plan d'action.

Taxer les vaches à lait

Et ainsi, après la coercition avec la récente loi Hadopi qui vise à enrayer le piratage en France, l'industrie de la musique tente maintenant de sauver sa peau en récupérant une partie des immenses profits encaissés par les géants de l'internet! Il est pathétique de constater, encore une fois, comment cette industrie est non seulement incapable de renouveler son modèle d'affaires, mais continue d'utiliser son puissant lobby pour influencer les gouvernements! La logique est d'une simplicité déconcertante. En effet, puisque les innovateurs de l'internet, Google, Facebook et compagnie sont assis sur des montagnes de fric, pourquoi ne pas taxer ces vaches à lait pour renflouer les ventes déclinantes de CDs et masquer ainsi une crasse incompétence. Et voilà! Le tour est joué!

Cherchez l'argent...

Oh! En passant, la « taxe Google » est une recommandation tirée de la mission « Création et internet », présidée par Patrick Zelnik, qui a remis son rapport au ministère de la Culture. Quelle était sa mission? Améliorer l'offre légale de biens culturels sur internet et la rémunération des créateurs. Qui est Patrick Zelnik? Il est le PDG du label "Naive". Quant à la loi Hadopi, ce projet avait été initié par Denis Olivennes, PDG de la Fnac jusqu'en 2008. Deux acteurs liés directement à l'industrie musicale « traditionnelle ». Ça porte à réfléchir, tout de même.

Le Canada, pionnier ou mouton noir?

À cet effet, le Canada fait figure d’exception. Considéré comme un mouton noir par certains pays comme les États-Unis, berceau des "majors", il fait plutôt figure d’avant-gardiste en ce sens qu’il possède déjà un cadre légal pour la musique copiée à des fins personnelles. Au Canada, la copie privée est légale et ne constitue pas une violation du droit d'auteur. La raison en est que, en contrepartie du droit d'effectuer des copies pour usage privé qui est accordé aux consommateurs, les titulaires des droits d'auteur inhérents aux enregistrements musicaux se voient reconnaître un droit à rémunération sous la forme de redevances pour copie privée.

C’est la SCPCP (Société canadienne de perception de la copie privée) qui représente les auteurs-compositeurs, les artistes-interprètes, les éditeurs de musique et les maisons de disques, c'est-à-dire l'ensemble des ayants droit au nom desquels les redevances sont perçues. Mais la redevance n’est plus à jour. Elle ne s’applique qu’aux cassettes audio, aux Mini-Discs et aux CD-R. Les dispositifs de stockage numériques comme les lecteurs MP3 et le iPod n’y sont pas assujettis. Il y aurait certainement lieu d'amender la loi pour refléter l'ère numérique au bénéfice des créateurs.

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Vijay Iyer – Solo

2011-01-23T17:27:00.001-05:00

Critique CD

Le pianiste américain Vijay Iyer discute dans cette vidéo de son dernier album intitulé Solo. Il compare le processus de création d'un album solo à un voyage astral, alors qu'on a l'impression de voir son propre corps de l'extérieur. En effet, la prestation en solo est une formule des plus exigeante pour un jazzman. C'est une mise à nu qui exige une grande confiance et beaucoup d'humilité pour accepter les surprises de l'improvisation. Comme il s'agit d'un procédé qui laisse peu de place à l'erreur, ajoute Vijay, il s'est offert les services du meilleur studio d'enregistrement de la côte ouest américaine. Il explique qu'il recherchait un son de piano enveloppant plutôt que percutant, étant donné la nature de cet enregistrement.

Le Solo de Vijay Iyer est pénétrant à souhait, creusant son sillon jusqu'au cœur de la musique. Solo s'amorce avec Human Nature de Michael Jackson, un hommage au Roi de la Pop, une pièce qu'il avait aussi interprétée avec son trio au Festival de Jazz de Montréal en 2010. Iyer reprend les standards Epistrophy de Thelonious Monk, Darn That Dream de Jimmy Van Heusen/Eddie Delange puis Black & Tan Fantasy et Fleurette Africaine de Duke Ellington. La pièce Games de Steve Coleman vient clore les standards et démontre l'éventail de styles et d'influences musicales d'Iyer. S'ajoute à ces standards les propres compositions d'Iyer, tout aussi maitrisées. Solo de Vijay Iyer est une expérience mémorable! Cet album a été nommé parmi les 10 meilleurs albums de jazz de 2010 par le JazzTimes, the Village Voice, Popmatters, le Los Angeles Times, le Chicago Tribune, le Detroit Metro Times, et plusieurs autres publications.

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I have a dream

2011-01-17T00:05:00.007-05:00

Citation Frisson

C'est aujourd'hui le Martin Luther King Jr. Day, jour férié aux États-Unis, décrété pour honorer la naissance du pasteur baptiste afro-américain, militant non violent pour les droits civiques des Noirs aux États-Unis. Le pasteur avait écrit le discours suivant pour le Festival de Jazz de Berlin de 1964. Selon le magazine Downbeat, il est maintenant établi que le Dr King ne prononça pas ce discours sur place, mais que le texte fut simplement imprimé dans le livret du festival. Voici le texte dans sa version originale.

On the Importance of Jazz

God has wrought many things out of oppression. He has endowed his creatures with the capacity to create—and from this capacity has flowed the sweet songs of sorrow and joy that have allowed man to cope with his environment and many different situations.

Jazz speaks for life. The Blues tell the story of life's difficulties, and if you think for a moment, you will realize that they take the hardest realities of life and put them into music, only to come out with some new hope or sense of triumph.

This is triumphant music.

Modern jazz has continued in this tradition, singing the songs of a more complicated urban existence. When life itself offers no order and meaning, the musician creates an order and meaning from the sounds of the earth which flow through his instrument.

It is no wonder that so much of the search for identity among American Negroes was championed by Jazz musicians. Long before the modern essayists and scholars wrote of racial identity as a problem for a multiracial world, musicians were returning to their roots to affirm that which was stirring within their souls.

Much of the power of our Freedom Movement in the United States has come from this music. It has strengthened us with its sweet rhythms when courage began to fail. It has calmed us with its rich harmonies when spirits were down.

And now, Jazz is exported to the world. For in the particular struggle of the Negro in America there is something akin to the universal struggle of modern man. Everybody has the Blues. Everybody longs for meaning. Everybody needs to love and be loved. Everybody needs to clap hands and be happy. Everybody longs for faith.

In music, especially this broad category called Jazz, there is a stepping stone towards all of these.

Dr. Martin Luther King, Jr. Opening Address to the 1964 Berlin Jazz Festival

De l'ordre et du sens

On peut particulièrement retenir ces mots du pasteur (traduction libre) : " Le jazz moderne poursuit sa tradition, chantant la musique d'une vie urbaine plus complexe. Alors que la vie elle-même semble dénuée d'ordre et de sens, le musicien crée de l'ordre et du sens à partir des sons de la Terre qui circulent par son instrument ". À l'égard des actes insensés qui ont mis à l'épreuve les États-Unis dernièrement, il y a lieu de méditer sur ces paroles.

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Lapin binaire ou ternaire

2011-01-13T22:11:00.004-05:00

Critique CD

J'écoutais aujourd'hui le dernier album du pianiste Yaron Herman, intitulé Follow The White Rabbit. Ceci m'a rappelé un billet de l'amie Belette, publié ici. Retour en arrière. Pierre de Chocqueuse sur Blogdechoc écrivait : "Sous l'appellation jazz se niche ainsi des musiques parasitées par le rock, la techno, l'électro et qui n'ont rien à voir avec le genre. Il en résulte une pléthore d'enregistrements médiocres qui se retrouvent à grande vitesse chez les soldeurs." Alors, bien entendu, on peut se poser la question. Puisque le dernier album de Yaron Herman, The White Rabbit, comporte des titres de Radiohead et de Nirvana, qui sont très facilement identifiable à l'écoute, d'une énergie brute à couper le souffle, est-ce que ce musicien est voué à périr en enfer?

Les lapins vieillissent

D'autant que le style n'est pas sans rappeler The Bad Plus, autre groupe reconnu pour ses reprises de succès rock. La comparaison n'est pas innocente. Car, en effet, le seul concert jazz auquel j'ai assisté où les participants avaient une moyenne d'âge de moins de 30 ans fut celui du groupe The Bad Plus. Il faut savoir qu'en 1982, l'âge moyen des spectateurs de jazz était de 29 ans, alors qu'il était de 46 ans en 2008, selon une étude du National Endowment for the Arts publiée en 2008. De plus, la participation à des spectacles de jazz a diminué de 58% depuis 1982, selon cette même étude.

Un nouveau millénaire binaire?

Les jeunes musiciens de jazz réussissent à attirer une nouvelle génération d'amateurs malgré les préjugés élitistes qui sévissent envers le jazz. Pas une mince affaire. Pierre de Chocqueuse en rajoute une couche et prétend que "Les rythmes ternaires ne semblent pas non plus séduire ces jeunes musiciens qui pour se distinguer évitent soigneusement de partir de ce qui a été fait avant eux." Bon, à écouter Yaron Herman, je suis convaincu qu'il est en mesure de jouer n'importe quoi, binaire ou ternaire. Mais sérieusement, de Choqueuse, pensez-vous que les jeunes (et jeunes de coeur) qui écoutent son White Rabbit et assistent à ses spectacles se posent cette question?

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Mes frissons de bonheur en 2010

2011-01-01T16:14:00.004-05:00

Christine Jensen, Treelines

Le Christine Jensen Jazz Orchestra est la référence en matière de big band au Canada! Nous sommes en présence d'un orchestre de qualité internationale! On sent l'influence des grands Gil Evans et Bob Brookmeyer. C'est un orchestre qui respire, qui a de l'élan et du swing. Le Christine Jensen Jazz Orchestra, un ensemble de 18 musiciens, composé entre autres de Chet Doxas, de Joel Miller et d'Eric Hove aux saxophones, de Jean-Nicholas Trottier et de David Grott aux trombones, de Jocelyn Couture à la trompette ainsi que de Martin Auguste, de Steve Amirault et de Fraser Hollins à la section rythmique. De plus, on retrouve la remarquable trompettiste new-yorkaise Ingrid Jensen comme soliste invitée. Et je vous encourage fortement à vous procurer l'album Treelines, qui est merveilleusement bien enregistré. Aucun amateur de big band de jazz ne devrait se passer de Treelines! C'est une pure merveille!

Youn Sun Nah, Same Girl

L'album Same Girl de la chanteuse d'origine coréenne Youn Sun Nah, que Le Monde a qualifié «d'ovni enthousiasmant dans l'univers du jazz». Originalité, créativité, l'esprit du jazz personnifié. Alors, suivez mon conseil. Captez cet ovni quand il sera à votre portée. Ça vole haut!

Claudia Solal Spoonbox – Room Service

J'aime les artistes qui osent, qui font avancer la musique. La chanteuse d'origine parisienne Claudia Solal est de cette trempe. Fille du pianiste Martial Solal, formée donc à la tradition, elle mène depuis 10 ans ses expériences, accompagnée de son noyau dur, Benjamin Moussay, aux claviers. Son dernier album est paru en avril dernier sous le sobriquet Claudia Solal Spoonbox et s'intitule Room Service. S'ajoutent à Moussay, Jean-Charles Richard (saxophones), Joe Quitzke (batterie) et Régis Huby (violons). L'improvisation musicale, résolument avant-gardiste, et puis le ton, toujours un peu décalé de Solal, font de ce Room Service une œuvre éclatée et réjouissante!

Norma Winstone, Stories Yet To Tell

Norma Winstone, que l'on qualifie sans ambages de plus grande chanteuse de jazz britannique, nous a offert récemment un nouvel opus sous la direction de Manfred Eicher de l'étiquette ECM, l'album Stories Yet To Tell. Après avoir gagné un Grammy pour son album Distances, elle est de retour avec un recueil de thèmes qui vont du médiéval au contemporain. La clarinette basse de Klaus Gesing et le piano de Glauco Venier semblent cajoler la voix de la chanteuse. Un grand moment!

Vijay Iyer Trio – Festival de Jazz de Montréal

La prestation du trio de Vijay Iyer en juin 2010 au Festival de jazz de Montréal fut un des concerts les plus marquants de ma saison 2010. J'ai été emballé par la performance de son trio à la salle du Gésu, qui inaugurait la série Jazz dans la nuit! La fusion entre les membres du groupe, Stephan Crump à la contrebasse et Marcus Gilmore à la batterie est tout à fait remarquable. Un jazz hyper contemporain, aux rythmes très affirmés. À suivre!

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Manon, viens danser le ska

2010-12-21T00:02:00.013-05:00

OreSkaBand

Chaque changement de saison pousse notre groupe de blogueurs, surnommé le Z Band, à écrire un billet collectif. Notre mission cette fois-ci : trouver un sujet qui pourrait faire fondre la neige de décembre et réchauffer les coeurs. Comme on approche de Noël et que le coeur, justement, est à la fête, j'ai pensé à une musique légère, totalement frivole et originaire des chaudes îles tropicales. Quoi de mieux, me suis-je dit, qu'un groupe de ska. Oh, et puis, tant qu'à donner dans la légèreté, allons-y gaiement pour un groupe de jeunes lycéennes japonaises en tenues d'écolière qui respirent la joie de vivre! Le OreSkaBand est un groupe ska féminin de Sakai au Japon. C'est complètement insouciant, bon enfant, et que c'est réjouissant! Allez! Joyeux Noël, chers lecteurs!

Le chaud soleil jamaïcain

Le ska trouve ses origines en Jamaïque. Desmond Dekker & The Aces et The Skatalites ont été des pionniers de ce style musical. Au début des années 1950 sur les ondes de la radio américaine de Miami, la seule qui parvienne en Jamaïque, on capte du Rhythm'n'Blues et du jazz. Puis. la déferlante rock n' roll s'abat sur l'île avec notamment Fats Domino et Little Richard ; ce nouveau style mêlé au boogie-woogie, au gospel, très présent dans l'île, au mento local, au jazz, au scat, au calypso, au merengue, aux musiques africaine et cubaine ainsi qu'à la culture de la rue formera un cocktail détonnant qui, en explosant, donne naissance au son que tous les Jamaïcains attendaient : le ska.

En 1964, c'est l'explosion avec le premier hit international « My Boy Lollipop » de Millie Small sur le label Island Records de Blackwell. Tournant décisif aussi, la formation des Skatalites ; s'ensuivront des dizaines de reprises des vieilles chansons R&B version ska. La machine ska est désormais lancée et dévaste tout sur son passage. On raconte que le rythme s'est mis à ralentir à cause des vagues de chaleur de l'été 1964, les danseurs ne pouvant plus soutenir le rythme effréné de cette musique, qui redevient soudainement très lent, annonçant ainsi les prémices du rocksteady. On peut lire l'article complet sur Wikipedia ici.

Manon et Donald à Montréal

Le ska a aussi connu son heure de gloire à Montréal vers la fin des années soixante avec une chanson que tous les Québécois de ma génération connaissent très bien, « Manon, viens danser le ska », popularisée par le chanteur Donald Lautrec. C'était l'époque des danseuses à go-go, de l'émission Jeunesse d'aujourd'hui et ça nous donne une chanson aux airs de pop bonbon version 1969. Ah! Quels souvenirs torrides!

Manon, viens danser le ska!
Montre-moi le nouveau pas.
Y'a personne qui bouge comme toi!
Dis Manon, viens danser le ska!...

Vous trouverez les billets enflammés de mes collègues du Z Band ici (liens mis-à-jour au fur à mesure des publications):

jazzOcentre : "Ursus Minor, funk la neige !"

Jazzques : "Carlos Villoslada" saxophone

Belette & Jazz : "Soleil d'hiver, Björk & PJ Harvey"

Jazz à Paris : "Dolphy, Varese, Coltrane, Stockhausen" par Frédéric Maintenant

Maître Chronique : Festen: une fête pour la neige

Ptilou’s Blog : Benzine et Soo-Bin Park

Jazz à Paris : "Out To Lunch" Eric Dolphy

Mysteriojazz : "L'entreprise du Captain Kirk"

Jazz Chroniques & coups de coeur : Cordula Hamacher Quartet "Connected"

Jazz Frisson : "Manon, viens danser le ska!"

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Kenny Werner - No Beginning No End

2010-12-11T13:21:00.005-05:00

Critique CD

Je ne peux imaginer une pire tragédie pour des parents que le décès d'un de leurs enfants. Le pianiste Kenny Werner et sa femme Lorraine le savent très bien. Lorsque leur fille Katheryn est décédée en 2006 dans un accident d'auto, le couple a eu grand peine à survivre à cette douloureuse expérience. La commande du MIT Wind Ensemble pour la musique de l'album No Beginning No End avait été passée avant l'accident de Katheryn et c'est ce qui, ultimement, a donné au pianiste une raison de retourner à la musique et de s'accrocher à la vie.

La musique qui guérit

Et ainsi, je connais peu d'albums qui démontrent aussi clairement le pouvoir de guérison de la musique. La première partie, une suite de cinq pièces composée pour un ensemble de 37 musiciens avec Werner au piano, Joe Lovano au saxophone ténor et la chanteuse Judi Silvano, nous fait vivre les émotions intenses du couple, débutant dans le chaos et la douleur pour conclure dans l'apaisement et la tranquillité avec la pièce We Are Three. On retrouve Jo Lovano particulièrement investi sur la pièce The God Of Time. L'album se termine par trois morceaux. La pièce Visitation: Waves Of Unborn, dramatique à souhait, une superbe prestation du quatuor à cordes sur Cry Out, et le travail d'orfèvre de Werner sur la pièce Coda. Au final, No Beginning No End est une expérience très personnelle, un voyage à travers les étapes de l'acceptation et de l'espoir, partagée par Lorraine et Kenny Werner. La musique, la vie!

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Claudia Solal Spoonbox – Room Service

2010-11-26T18:09:00.004-05:00

Critique CD

J'aime la poésie, j'en lis trop peu. J'aime le jazz vocal, tous mes lecteurs le savent. J'aime les créateurs qui ont le respect du texte. Je pense à Joni Mitchell, Norma Winstone ou Kurt Elling pour n'en nommer que quelques-uns. Et j'aime les artistes qui osent, qui font avancer la musique. La chanteuse d'origine parisienne Claudia Solal est de cette trempe. Fille du pianiste Martial Solal, formée donc à la tradition, elle mène depuis 10 ans ses expériences, accompagnée de son noyau dur, Benjamin Moussay, aux claviers. Ce dernier formait duo avec elle sur son album Porridge Days, paru en 2005, et dont je vous disais déjà le plus grand bien dans ce billet. Son dernier album est paru en avril dernier sous le sobriquet Claudia Solal Spoonbox et s'intitule Room Service. S'ajoutent à Moussay, Jean-Charles Richard (saxophones), Joe Quitzke (batterie) et Régis Huby (violons).

The sky is low

The sky is low, the clouds are mean,
A travelling flake of snow
Across a barn or through a rut
Debates if it will go.

A narrow wind complains all day
How some one treated him;
Nature, like us, is sometimes caught
Without her diadem.

Emily Dickinson

Claudia Solal, qui compose la plupart des paroles, invente et trifouille des histoires farfelues et éberluées. Comme ce Double Rabbit, hôtel étrange d'où l'on s'éveille de la chambre 46 avec une tête de calmars vivants et une affreuse tétine sur la joue! C'est Alice au Pays des Merveilles, mais revu par un Tim Burton en folie! Et les poèmes d'Emily Dickinson, repris par Solal dans quelques chansons, ne font qu'ajouter à l'atmosphère victorienne et délicieusement angoissante. L'improvisation musicale, résolument avant-gardiste, et puis le ton, toujours un peu décalé de Solal, font de ce Room Service une œuvre éclatée et réjouissante.

Écoutez des extraits musicaux de Room Service de Claudia Solal Spoonbox en cliquant sur le Lecteur MySpace de Claudia Solal

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Norma Winstone raconte des histoires

2010-11-20T16:25:00.002-05:00

Critique CD

Norma Winstone, que l'on qualifie sans ambages de plus grande chanteuse de jazz britannique, nous a offert récemment un nouvel opus sous la direction de Manfred Eicher de l'étiquette ECM, l'album Stories Yet To Tell. Après avoir gagné un Grammy pour son album Distances, une délicieuse rêverie que Jazz Frisson vous présentait dans ce billet, elle est de retour avec un recueil de thèmes qui vont du médiéval au contemporain. La clarinette basse de Klaus Gesing et le piano de Glauco Venier semblent cajoler la voix de la chanteuse, le tout produit et enregistré par Manfred Eicher à Udine en 2009.

Le trio s'abreuve à des références multiples, tantôt s'inspirant d'une chanson de troubadour du XIIIe siècle ou d'une berceuse arménienne, puis interprétant des thèmes de Wayne Shorter puis de Maria Schneider. Mais peu importe la matière, les trois musiciens la transforment, composant eux-mêmes la majeure partie des arrangements tandis que Norma signe la plupart des textes des chansons. Norma Winstone est une musicienne de haut niveau dont l'expression artistique et la vision sont uniques dans le monde parfois stéréotypé du jazz vocal contemporain.

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Carmen Souza – Protegid

2010-11-08T18:25:00.000-05:00

Critique CD

Voici ma portion de vitamines pour combattre la grisaille hivernale qui s'installe doucement chez nous! Le dernier album de Carmen Souza, Protegid, paru l'été dernier sur étiquette Galilelo Music est une boisson énergétique qui mêle les multiples épices africaines et les parfums sensuels du Cap-Vert à la tradition portugaise. La chanteuse Carmen Souza est née à Lisbonne et habite maintenant à Londres. Ses parents sont originaires du Cap Vert et elle chante d'ailleurs en créole, le dialecte des îles, ainsi qu'en portugais. Sur Protegid, Souza crée des liens entre les musiques latine, africaine, arabe et le jazz.

Le bassiste Théo Pas'Cal est responsable ici de l'enveloppe musicale. La grande richesse de l'instrumentation et les arrangements surprenants font de Protegid une continuelle surprise sonore. La pièce de résistance est sans doute Song for My Father de Horace Silver, lui-même originaire du Cap-Vert, reprise et transformée ici par Souza. Portée par la voix sensuelle de Souza, qui s'accompagne ici au Fender Rhodes, la pièce prend une allure presque mythique. Et après avoir entendu la version de Sodade, murmurée et caressée par Souza, vous ne pourrez sans doute plus jamais écouter l'original de Cesaria de la même façon. Carmen Souza, c'est une pincée de Billie Holiday, un soupçon de Nina Simone et un côté rebelle à la Mina Agossi. Énergisante!

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Le cauchemar d'Artie Shaw

2010-10-31T00:05:00.004-04:00

Jazz Fripon

Nightmare d'Artie Shaw, 1938. Bonne Halloween!

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Mina Agossi – Just Like a Lady

2010-10-27T16:39:00.000-04:00

Critique CD

Mina! Jimi! Quel frisson! Voici mon frisson de bonheur, Mina Agossi et son album Just Like a Lady. Tout comme la chanteuse Youn Sun Nah dont je vous parlais dans ce billet, Mina est une artiste atypique, en constante évolution, jamais là où on l'attend. Pour Mina Agossi, "le jazz doit bousculer les tabous et ce qui est institutionnalisé. Miles Davis, aujourd'hui, s'étonnerait s'il voyait tout le monde imiter son style!" Il y longtemps que je m'intéresse au parcours de Mina. J'en avais d'ailleurs déjà parlé dans ce billet.

Pour ce nouveau disque Just Like a Lady, son neuvième, Mina Agossi a décidé de rompre avec les quinze dernières années et avec la formule voix/contrebasse/batterie qui avait fait sa réputation. Elle a voulu montrer toutes les autres facettes de sa personnalité musicale, rock, chanson, électro, sans mettre de côté le jazz. D'où l'addition du guitariste et claviériste Phil Reptil, également responsable des arrangements. Au final, des morceaux comme There's a Lull in My Life de Chet Baker, reprise avec les steel drums d'Andy Narell. Une version teintée d'humour de When The Saints Go Marching In. De jolies compositions de Mina, tel ce J'aimerais tant. Et bien entendu, une reprise de Jimi Hendrix, Burning of the Midnight Lamp, parce que Mina lui rendra hommage sur chacun de ses albums. "J'ai toujours considéré que la pop des années 70, le rock psychédélique ou le travail de Jimi, étaient du jazz: tout est cohérent" avoue Mina. Quand on a compris cela, on a un peu mieux cerné Mina. Écouter Mina, c'est comme se lancer en "base jumping": imprévisible, à couper le souffle, sauvage, libre… Mina.

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L’ovni Youn Sun Nah

2010-10-15T17:31:00.006-04:00

Critique CD

Voici mon frisson de bonheur de la semaine! L'album Same Girl de la chanteuse d'origine coréenne Youn Sun Nah, que Le Monde a qualifié «d'ovni enthousiasmant dans l'univers du jazz» et que j'écoute en boucle depuis la lecture du billet de mon ami Ptilou ici. Elle vient d'ailleurs de se produire au Duc des Lombards à Paris et vous pouvez lire les commentaires de Ptilou sur son concert ici.

Alors, suivez mon conseil. Captez cet ovni quand il sera à votre portée. C'est une pure merveille!

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L’OFF JAZZ sort dans la rue!

2010-10-09T13:11:00.006-04:00

Frisson News

Pour ouvrir en beauté sa 11e édition, L'OFF JAZZ de Montréal propose pour la première fois de son histoire une animation extérieure gratuite. Les 15 et 16 octobre, le festival investit le pôle Quartier Latin du Quartier des spectacles et présente pendant deux jours une série de concerts pour faire découvrir au plus grand nombre le jazz d'ici. Ces deux journées ne sont que le début de 9 jours de programmation aux accents jazz d'ici, regroupant 30 concerts accueillis par 8 salles propices au jazz. Au programme des activités extérieures :

Vendredi 15 octobre à 12 h – Place Pasteur: Combo jazz étudiant de l'UQAM

Vendredi 15 octobre à 15 h 30, déambulation rue St-Denis et prestation Place Pasteur: Boom Jacak

Vendredi 15 octobre à 17 h, Place Pasteur: L'Orkestre des Pas Perdus

Samedi 16 octobre à 14 h 30, déambulation rue St-Denis et prestation Place Pasteur: Grüv'N'Brass

Samedi 16 octobre à 16 h, Place Pasteur: Nozen

Le festival présente des artistes hors des sentiers battus, une joie pour les amateurs. À noter que le prix des concerts est très raisonnable. On y demande même parfois simplement une contribution volontaire!. La liste des spectacles se retrouve sous l'onglet Programmation ici.

Quelques spectacles de la riche programmation ont retenu mon attention. Ainsi jeudi le 21, le prolifique Joël Miller présentera Les voix de mon coeur, audacieux mariage de son ensemble Mandala avec le choeur féminin Concerto Della Donna dirigé par Iwan Edwards. Le festival recevra cette année la visite des Ontariens David Mott et Darren Sigesmund, ainsi que la grande pianiste américaine Myra Melford lors de trois soirées très prometteuses. Mercredi le 20, Marianne Trudel et Alexandre Grogg seront merveilleusement bien entourés dans le décor intime de la Chapelle historique du Bon-Pasteur de Montréal.

Le festival se terminera le 23 octobre au Lion d'Or avec une soirée magnifique lors de laquelle deux albums seront lancés. Tout d'abord, le batteur Karl Jannuska, immigré en France depuis quelques années, viendra nous offrir ses nouvelles compositions. Il sera en compagnie, entre autres, de la talentueuse chanteuse Sienna Dahlen. La soirée se terminera par Tremblement de fer de Pierre Labbé. Des 50 musiciens du projet original, le saxophoniste a réduit son équipe à treize musiciens exceptionnels pour cette prestation. Une oeuvre décapante et pleine de vie qui viendra clore en beauté cette 11e édition de L'OFF JAZZ de Montréal!

Pour avoir assisté à de précédentes éditions de L'OFF, voir mes commentaires ici, je vous le recommande vivement!

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Chet Doxas au Diese Onze

2010-08-17T09:00:00.001-04:00

Concert

Chet Doxas se produira au Dièse Onze à Montréal le jeudi 19 août prochain à 21 h 30 en compagnie de ses invités spéciaux. À peine âgé de trente ans, le saxophoniste, clarinettiste, compositeur et arrangeur montréalais Chet Doxas a joué sur plus de 80 CD avec divers talents d'Amérique du Nord. Chet a enregistré et composé de nombreuses bandes sonores de films tant au Canada qu'aux États-Unis et en France. Il a enregistré à maintes reprises pour les émissions Jazzbeat de la CBC ainsi que Silence, on jazze de la Société Radio–Canada et il a joué à des festivals de jazz à l'échelle du pays. Ce jeune prodige et fabuleux touche-à-tout a joué avec une multitude de musiciens de tous acabits, sur scène comme sur disque, de Dave Douglas à Oliver Jones en passant par Joe Lovano, Bill Stewart, Tim Hagans, Maria Schneider, Christine Jensen, Jason Moran, Rémi Bolduc et Steve Amirault, pour n'en nommer que quelques-uns.

Chet Doxas Big Sky

Son dernier album, paru plus tôt cette année chez Justin Time, s'intitule Big Sky (achetez sur iTunes). En compagnie de son frère Jim à la batterie, du contrebassiste Zack Lober et du réputé guitariste Ben Charest, avec qui Chet avait travaillé sur la bande sonore des Triplettes de Belleville, c'est un jazz cinématique qu'il nous dévoile ici. Atmosphères fluides, climat doux par moment ou passages chargés d'intentions, c'est un jazz qui donne dans l'émotion contemplative. À écouter sans faute!

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Décès la chanteuse Abbey Lincoln

2010-08-15T13:36:00.007-04:00

Frisson News

Le jazz américain a perdu l'une de ses dignes représentantes, la chanteuse Abbey Lincoln. Elle s'est éteinte à New York, à l'âge de 80 ans.

Dans les années 50 et 60, Abbey Lincoln avait enregistré de nombreux disques (voir les vinyles de Abbey dénichés à New York) et tourné dans plusieurs films. Elle avait trouvé un second souffle comme auteur de chansons dans les années 90 (voir ma critique de son disque Abbey sings Abbey). Abbey Lincoln, chanteuse de jazz américaine connue pour son phrasé, son émotion et son style sans concession (voir mon billet au sujet de son dernier spectacle au Festival de Jazz de Montréal), s'est éteinte samedi à New York à l'âge de 80 ans. Sa santé s'était dégradée au cours de l'année écoulée. Sa mort a été confirmée par Carol Friedman, réalisatrice et amie qui tournait un documentaire sur sa vie.

Dans les années 50 et 60, Abbey Lincoln avait enregistré de nombreux disques et tourné dans plusieurs films, dont «Mon homme» avec Sydney Poitier. Elle avait trouvé un second souffle comme auteur de chansons dans les années 90. Au cours de sa longue carrière, Abbey Lincoln avait collaboré musicalement avec le batteur Max Roach, qu'elle avait épousé en 1962, avant de divorcer. Plus tard, elle devait prendre la tête des charts avec des albums comme «You Gotta Pay the Band», enregistrés avec Stan Getz, et «Devil's Got Your Tongue», dans lequel elle fustigeait certains rappeurs, humoristes ou réalisateurs qu'elle accusait de faire de l'argent sur le dénigrement de la culture noire.

Abbey Lincoln, de son vrai nom Anna Marie Wooldrige, était née en 1930, au sein d'une famille modeste de 12 enfants dans le Michigan rural. Elle avait découvert très tôt la musique, apprenant toute seule à jouer du piano. Adolescente, elle avait travaillé comme employé de maison, avant d'entrer dans le circuit des clubs à Honolulu puis Los Angeles, où elle avait commencé à se produire dans les années 50. Elle s'était fait connaître par sa voix autant que sa beauté, révélant ses formes dans des robes moulantes sur les couvertures de ses premiers albums. Dans «La Blonde et moi», un film de 1956 avec Jayne Mansfield, elle apparaissait dans le même fourreau pailleté que Marylin Monroe dans «Les Hommes préfèrent les blondes».

Après sa rencontre Max Roach, elle avait tourné le dos à cette image glamour et milité ardemment pour les droits civils. Elle arborait coiffure et tenues afro et avait donné à sa musique un ton plus politique. Fruit de sa collaboration avec Max Roach et Oscar Brown Jr, «We Insist! (Freedom Now Suite)» en 1960 était un plaidoyer contre le racisme. «Ce n'était pas mon rêve d'être une star, alors Max était arrivé au bon moment pour me sauver de moi-même», expliquait-elle dans un entretien à l'Associated Press en 1993. «Sinon je serais devenue alcoolique et malheureuse». Associated Press, New York.

Merci, Abbey, pour le bonheur de ta musique….

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Félix Stussi 5 au Parc Lafontaine

2010-08-11T12:13:00.006-04:00

Concert

Jeudi, le 12 août 2010, à 20 h 30, le pianiste montréalais d'origine suisse Félix Stüssi présentera son nouveau CD Félix Stüssi 5 & Ray Anderson: Hieronymus (Effendi Records) lors d'un concert gratuit au Théâtre de Verdure au Parc Lafontaine de Montréal. Le disque a été enregistré en direct à Vancouver et Montréal lors de la tournée canadienne du groupe à l'été 2009. Entouré des fidèles collaborateurs, Alexandre Côté et Bruno Lamarche aux saxophones, Clinton Ryder à la contrebasse et Isaiah Ceccarelli à la batterie, Stüssi invite le public à participer à une aventure musicale épique. Lors de ce concert, ce sera Jean-Nicolas Trottier qui remplacera Ray Anderson au trombone. En juillet 2007, le groupe Félix Stüssi & Give me five avait gagné le prestigieux Grand Prix de Jazz General Motors au Festival International de Jazz de Montréal, tel que je le mentionnais dans ce billet. Un concert à ne pas manquer et un superbe disque à se procurer!

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Paolo Fresu, Ralph Towner – Festival de Jazz de Montréal

2010-06-28T19:25:00.000-04:00

Concert

Samedi soir dernier, dans le cadre de la Série Invitation du Festival International de Jazz de Montréal, le trompettiste italien Paolo Fresu était accompagné du guitariste américain Ralph Towner. Au menu, la plupart des pièces de Chiaroscuro, leur plus récent album lancé sur étiquette ECM. Le duo débute avec Punte Giara, une musique sarde qui fait référence à la rencontre de ces deux musiciens 20 ans plus tôt. Towner alterne entre une guitare classique et une guitare baryton, Fresu entre la trompette et le bugle. La majorité des morceaux sont des compositions de Ralph Towner tel Wistful Thinking ou Sacred Place. Plus bas, une vidéo d'un concert similaire à Innsbruck avec la pièce Chiaroscuro.

Il règne dans la salle du Gésu une atmosphère feutrée, presque méditative. La musique est simple, mais de cette simplicité à laquelle atteignent les grands au sommet de leur art. La richesse harmonique, la vibration qui se dégagent du jeu de Towner, amplifié par l'excellente acoustique de la salle, donnent le frisson. De son côté, la sonorité de Fresu est une merveille de subtilité et de retenue. Quelques standards émaillent la soirée, Blue in Green, la très jolie Beautiful Love. Le duo dialogue avec une connivence assumée. Un grand moment du festival, assurément!

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Vijay Iyer Trio – Festival de Jazz de Montréal

2010-06-26T15:01:00.005-04:00

Concert

Vijay Iyer, pianiste new-yorkais né de parents d'origine indienne, commence son apprentissage musical dès 3 ans par le violon, puis vers 6 ans, il se dirige vers le piano. En 1992, il obtient une maitrise de mathématique et de physique à l'Université Yale, et 2 ans plus tard, en 1994, un master en physique et un doctorat en arts et technologie de l'Université de Californie à Berkeley. Le magazine Seed l'a nommé "One of nine Revolutionary Minds". C'est en 1994 qu'il se présente à Steve Coleman lors d'une résidence des Five Elements en Californie. Encore indécis sur la voie professionnelle à prendre, Steve Coleman lui propose une tournée avec son groupe The Mystic Rythm & Society qui marquera le début de sa carrière. Il sort son premier album, Memorophilia, en 1996 sur le label Asian Improv Records. Il collaborera ensuite avec le saxophoniste alto d'origine indienne Rudresh Mahanthappa sur plusieurs albums, Black Water (2002), Mother Tongue (2004) et Code Book (2006). Son dernier album, Historicity, est paru sur Act Music en 2009. Vijay Iyer vient de recevoir le titre de 2010 Musician of the Year par le Jazz Journalists Association Jazz Awards.

Je n'ai pas assisté à la prestation solo de Vijay Iyer à la Chapelle du Bon-Pasteur hier. Mais j'ai été emballé par la performance de son trio à la salle du Gésu, qui inaugurait la série Jazz dans la nuit! La fusion entre les membres du groupe, Stephan Crump à la contrebasse et Marcus Gilmore à la batterie est tout à fait remarquable. Je suis encore soufflé par la pièce Cardio, alors que le contrebassiste Stephan Crump a soutenu un groove hallucinant d'énergie brute! Le trio y est allé d'un hommage bien senti à Michael Jackson, décédé il y a maintenant un an, en remodelant Human Nature à sa façon. Voilà la force de Vijay et son trio. Tout, de la pièce Somewhere de West Side Story jusqu'à Smoke Stack d'Andrew Hill, passe par le filtre de Vijay Iyer pour aboutir à un jazz hyper contemporain, aux rythmes très affirmés. La proposition n'est pas sans rappeler The Bad Plus, mais avec plus de profondeur dans le propos. En rappel, le groupe a interprété la reprise très attendue de Galang, titre hip-hop de M.I.A., cette artiste britannique d'origine tamoule. Les clips vidéo vous donneront une idée de la chose. En résumé, un excellent départ pour le Festival de Jazz de Montréal 2010!

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Souvenirs de Rio

2010-06-20T18:00:00.003-04:00

Vintage Frisson

L'été annonce les festivals en tout genre. Un nombre incalculable de festivals de jazz, bien sûr, mais aussi, de l'humour, de la fraise, du cochon et de la poutine! Pour ma part, l'été j'écoute léger et donc la Bossa Nova me caresse souvent de ses douces mélodies. Petit retour en arrière.

Évidemment, quand on pense Bossa Nova, on entend immédiatement Astrud Gilberto, l'icône qui a cristallisé l'image de la Bossa Nova aux yeux du monde. Ici avec Stan Getz en 1964.

On le sait, au début des années 60, la vague a été immense, incontournable! Mais elle n'a pas engendré que des sous-produits, loin de là. À preuve, Cannonball Adderley et son groupe en 1962 à l'émission de télé Jazz Scene, avec la pièce Bossa Nova Nemo, une composition renommée par la suite Jive Samba.

Cannonball Adderley – sax alto

Nat Adderley - trompette

Yusef Lateef – sax tenor, flûte

Joe Zawinul - piano

Sam Jones - contrebasse

Louis Hayes - batterie

Mise à jour

C'est aujourd'hui la publication de la note trimestrielle de notre groupe de blogueurs, le "Z-Band". Seuls deux collègues ayant répondu à l'appel, je vous renvois à leurs billets respectifs au sujet de Michel Portal.

Ptilou’s Blog

Maître Chronique

Et hop! En voici un troisième qui a décidé de vous propser la musique ensoleillée de Rio!

Mysterio Jazz

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Poésie de rue, Library Way, New York (8)

2010-05-27T00:05:00.002-04:00

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Peu de piétons qui déambulent à Manhattan, que ce soit les habitants ou les touristes, sont conscients du fait que ce tronçon de la 41e rue, long de deux blocs, à partir de la gare Grand Central Station et se terminant en face de Patience et Fortitude, les deux lions qui gardent l'entrée majestueuse de la branche principale de la New York Public Library, contient une collection de quatre-vingt-seize plaques de bronze, citant quarante-cinq écrivains, encastrées dans le trottoir. Le projet, une idée originale du Partenariat Grand Central, une association sans but lucratif vouée à la revitalisation de la zone centre-ville, a été lancé au début des années 1990 et complété en mai 2004, quand il a été inauguré par le maire Bloomberg. Chaque œuvre, choisie parmi un groupe éclectique d'auteurs qui comprend Marcus Aurelius, Jorge Luis Borges, Georges Braque, E.B. White et Tom Stoppard, inclut une illustration inspirée du texte.

J'espère que ces quelques instants de poésie ont inspiré votre quotidien :)

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Poésie de rue, Library Way, New York (7)

2010-05-26T00:05:00.001-04:00

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Poésie de rue, Library Way, New York (6)

2010-05-25T00:05:00.001-04:00

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Journée des Patriotes

2010-05-24T00:05:00.004-04:00

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Le jour où personne ne reviendra d'une guerre, c'est qu'elle aura enfin été bien faite.

Boris Vian in Textes et Chansons

Pour parler de la guerre

Il n'y a que des larmes.

Henriqueta Lisboa in Un poète s'en fut en guerre

Clichés captés à New York la semaine dernière.

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Poésie de rue, Library Way, New York (5)

2010-05-23T00:05:00.001-04:00

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Poésie de rue, Library Way, New York (4)

2010-05-22T00:05:00.001-04:00

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Poésie de rue, Library Way, New York (3)

2010-05-21T12:44:00.005-04:00

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Poésie de rue, Library Way, New York (2)

2010-05-20T23:08:00.004-04:00

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Jazz dans Central Parc

2010-05-19T23:09:00.006-04:00

Concerts

J'étais à New York le weekend dernier et j'ai eu l'occasion de constater comment le jazz est partie intégrante du tissu urbain de cette ville. On le côtoie, bien entendu, dans les grands établissements tels que le Jazz at Lincoln Center, alors que j'assistais à un magnifique concert réunissant le chanteur américain Kurt Elling et l'accordéoniste français Richard Galliano. Le jazz est bien vivant dans une impressionnante variété de clubs de la mégapole, du Blue Note à Arturo's Pizza.

Mais ce qui est encore plus captivant, c'est qu'on le rencontre un peu partout dans la ville. Ainsi, au détour d'un sentier dans Central Park, ce trio qui jouait de façon vraiment remarquable. Et que dire de cette classe de bambins, écoutant bien sagement cette musique, en avalant leurs sandwichs à l'heure du lunch? Il n'est jamais trop tôt pour développer une culture de jazz. New York, c'est un peu ça... cette ouverture incroyablement fascinante!

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Poésie de rue, Library Way, New York (1)

2010-05-18T17:46:00.010-04:00

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Vive la Musique libre

2010-05-11T12:57:00.006-04:00

Frisson News

Le jazz se décline sous plusieurs formes. On retrouve des festivals immensément populaires, tel le Festival International de Jazz de Montréal, qui n'hésitent pas à brouiller les pistes en programmant des numéros de grandes vedettes de la pop en tête d'affiche. Ne nions tout de même pas la qualité de l'offre jazzistique d'une telle manifestation dont nous profitons chaque été. Mais il existe d'autres possibilités qui méritent aussi notre écoute. J'ai déjà parlé de l'Off Festival de Jazz de Montréal, qui se tiendra cette année à de nouvelles dates, du 15 au 23 octobre 2010 et qui mérite d'être mieux connu. J'aurai l'occasion d'en reparler.

Deux autres festivals, sur deux continents différents, aux mêmes dates, arborent le même thème: Liberté! Une musique improvisée, sans contrainte, le Free Jazz et les Musiques Actuelles.

Après une année de pause, le Festival international de musique actuelle de Victoriaville (FIMAV) revient en force du 20 au 23 mai prochains. Les musiciens québécois occupent toutes les scènes du FIMAV avec enthousiasme! Ainsi, les grands concerts du Colisée, en soirée d'ouverture et de fermeture, seront la responsabilité de Sam Shalabi et de René Lussier qui y présenteront des créations avec de nouveaux ensembles. De plus, la journée du vendredi est presque exclusivement québécoise démontrant ainsi la vitalité de la Musique Actuelle au Québec. L'événement international de cette 26e édition du FIMAV 2010 est évidemment la présence de Bill Dixon qui présentera son plus récent projet «Tapestries for Small Orchestra». Autres concerts à mentionner, Kim Myhr & Trondheim Jazz Orkester, ainsi que Nabaz'mob, un opéra pour 100 lapins électroniques (voir la délirante vidéo). Au total 20 concerts seront à l'affiche.

De l'autre côté de l'Atlantique, à Rouen en France, le Jazz à Part Festival se tiendra le 22 mai prochain. Organisé par l'équipe de l'excellente émission de radio Jazz à Part, il a comme objectif d'accueillir les musiques improvisées, ou free jazz, ou musiques libres. Au programme de cette première édition : Claude Tchamitchian, Jean-Luc Cappozzo, Guillaume Laurent et compagnie. Le but avoué des organisateurs, "c'est de casser cette image d'un jazz «musique d'ambiance» (pour ne pas dire musique d'ascenseur) et lui redonner sa vraie place : celle d'une musique des racines, militante, ouverte sur le monde et sur toutes les cultures". On ne peut qu'applaudir. Et souhaiter longue vie à ce nouveau festival!

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John Zorn, Citation

2010-05-05T00:05:00.000-04:00

Citation Frisson

Souvent c'est de la douleur que vient la plus belle musique.

John Zorn, saxophoniste et compositeur

TAGS: john zorn, jazz, video, youtube, jazz frisson

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Charlie Christian au panthéon du rock'n'roll

2010-05-03T00:05:00.002-04:00

Vintage Frisson

Je termine cette série au sujet des guitaristes de jazz par Charlie Christian. En réalité, j'aurais dû amorcer la série avec celui-ci. En effet, Charlie Christian est considéré, à juste titre, comme l'un des précurseurs de la guitare électrique. Il a été un des premiers à utiliser la « guitare amplifiée » comme instrument solo en jazz et en blues, en particulier la Gibson ES-150. Issu d'une famille de musiciens, il débute comme contrebassiste dans l'orchestre d'Alphonso Trent en 1934. Il choisit finalement la guitare amplifiée (inventée, semble-t-il, par Eddie Durham, tromboniste dans l'orchestre de Jimmie Lunceford). Il a montré la voie à BB King et autres Jimi Hendrix. Certains le placent dans le panthéon du rock'n'roll comme précurseur de la guitare. Reconnu comme un styliste du swing en raison de son travail avec Benny Goodman, son vocabulaire musical fut étudié par les guitaristes be-bop. L'influence de Christian est notable à l'écoute des Barney Kessel, Herb Ellis, Wes Montgomery et George Benson. Plusieurs d'entre eux l'ont d'ailleurs ouvertement admis. Et quand on écoute l'enregistrement qui suit, il est étonnant d'apprendre qu'il date des années 40!

Hors de son influence sur la guitare, il a également contribué au développement du be-bop et du jazz moderne, en faisant des séances avec de futurs piliers du jazz : Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Kenny Clarke et Don Byas qui l'accompagnent sur le morceau que vous écoutez plus haut. C'est John Hammond, le dépisteur de nouveaux talents et producteur, qui entendit parler de Christian, possiblement par l'entremise de la pianiste Mary Lou Williams. Impressionné, Hammond organisa une rencontre avec Benny Goodman à Los Angeles au mois d'août 1939. Initialement rebuté par l'aspect négligé de Christian, Goodman fut toutefois convaincu d'emblée par son talent. Christian se produira pendant deux ans avec le Benny Goodman Sextet et les solos du guitariste seront souvent mis en évidence. La tuberculose mettra fin prématurément, à 25 ans, à une carrière qui s'annonçait très prometteuse.

J'espère que vous avez apprécié cette série sur les guitaristes de jazz!

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Les Paul et La Buche

2010-04-29T00:05:00.000-04:00

Vintage Frisson

Lester William Polfuss, plus connu sous le nom de Les Paul, né le 9 juin 1915 à Waukesha (Wisconsin) et mort le 13 août 2009 à White Plains (New York) d'une pneumonie, était un guitariste et inventeur américain qui a joué un rôle important dans le développement des guitares électriques à corps plein (solidbody), les techniques d'enregistrement multipiste et divers systèmes d'effets spéciaux sonores tels que les chambres d'écho et de réverbération.

Vers la fin des années 1930, Les Paul n'est pas très satisfait des guitares électriques commercialisées à cette époque. Ce sont des « guitares acoustiques électrifiées » difficiles à amplifier efficacement sans engendrer d'importants problèmes de distorsion du son et de larsen. Inventif et bricoleur, il se lance dans toutes sortes d'expérimentations pour trouver des solutions viables à l'amplification des guitares. Il avoue volontiers avoir « massacré » un grand nombre de guitares pour mener à bien ses expériences.

Paul a-t-il connaissance de la « poêle à frire » (frying pan), prototype de guitare électrique à corps plein (solidbody) pourvu d'un microphone magnétique, créé 10 ans plus tôt? C'est probable. Ce qui semble évident c'est qu'il a compris qu'une des causes majeures du larsen est due au montage du micro directement sur la caisse de résonance des guitares à caisse creuse (hollow body). En 1941, Il demande à la compagnie Epi qui produit et commercialise les guitares Epiphone d'utiliser leurs ateliers le dimanche afin de poursuivre ses expérimentations qui aboutissent à un prototype connu par la suite sous le nom de The Log (la bûche ). Cet instrument rudimentaire est conforme au concept solidbody. En fait, le corps est composé d'un simple bloc de bois de pin d'une section d'environ 4x4 pouces, « la bûche » sur lequel il fixe un manche pris sur une guitare de Jazz Gibson L5, 2 micros magnétiques, un chevalet métallique et une sorte de cordier intégrant un système pour faire varier la tension des cordes à l'aide d'un levier (principe du vibrato). Ensuite pour faire ressembler cette « drôle de chose » à une guitare, il découpe en deux la caisse d'une guitare Epiphone et fixe les deux moitiés comme des « ailes » de chaque côté de « la bûche ». Quand vers 1946 il rencontre Maurice Berlin, le président de CMI (Chicago Musical Instrument) propriétaire de la compagnie Gibson, pour étudier le potentiel commercial de son « œuvre », il lui est répondu : « It's nothing but a broomstick with a pickup on it » (Ce n'est rien d'autre qu'un manche à balai avec un micro dessus). (Infos de Wikipedia)

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Joe Pass et Virtuoso

2010-04-26T00:05:00.003-04:00

Vintage Frisson

I wanted the horse, but I got the guitar.

Joe Pass, guitariste

Joe Pass raconte qu'à 9 ans, alors qu'il voit Gene Autry à cheval avec une guitare, il aurait bien aimé recevoir un cheval en cadeau! En dépit de cette histoire qu'il aimait bien raconter aux journalistes, Joe Pass maîtrise la guitare très tôt. À l'âge de 14 ans, il joue déjà pour des mariages et des fêtes de quartier. À l'âge de 20 ans, il se rend à New York. Malheureusement, c'est à cette époque qu'il tombe dans l'engrenage de la drogue. Pendant plus de 10 ans, jusqu'au début des années 60, il reste sous l'emprise des drogues. Il est arrêté plusieurs fois avant d'être admis à Synanon, un centre de désintoxication.

Alors qu'il séjourne à Synanon, il enregistre avec un groupe composé de musiciens résidant dans ce centre. Le disque s'intitule Sounds of Synanon et quand les critiques de jazz l'entendent, ils s'extasient pour le jeu de guitare de Joe. Son séjour dans ce centre dure 3 ans à l'issue desquelles il reprend de pied ferme sa carrière musicale. À sa sortie de Synanon, il joue dans la région de Los Angeles avec les meilleurs musiciens et est engagé comme guitariste de studio. Il participe pendant plus de cinq ans à des séances d'enregistrement jusqu'au jour où Norman Granz (le producteur international de concerts de jazz) le persuade de le rejoindre et de signer pour son label Pablo. C'est à cette époque qu'il amorce sa carrière internationale.

Pour le label Pablo, Joe enregistre des albums solos (Virtuoso, for Django) et joue avec différentes formations. On le retrouve notamment au côté de Oscar Peterson, Niels-Henning Ørsted Pedersen, Zoot Sims, Ella Fitzgerald. Son style de guitare est inimitable. Joe a souvent été surnommé le « Art Tatum de la guitare ». Joe Pass est décédé le 23 mai 1994 à Los Angeles, Californie. (Infos de Wikipedia)

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Undercurrent, Bill Evans et Jim Hall

2010-04-22T00:05:00.001-04:00

Vintage Frisson

Dans mon dernier billet, j'ai fait allusion à la photographie de Toni Frissell qui orne la pochette de cet album.

Undercurrent est un album du pianiste Bill Evans et du guitariste Jim Hall enregistré en 1962 et publié en 1963 par le label United Artists, puis édité par le label Blue Note. C'est le premier album en duo réunissant Bill Evans et Jim Hall. Les deux musiciens réaliseront un deuxième disque en duo, Intermodulation, enregistré en 1966 pour le label Verve. Premier enregistrement en quatre ans pour Bill Evans suite à la mort tragique du contrebassiste Scott LaFaro dans un accident d'auto, Undercurrent est à la fois introspectif et bien ancré dans un style be-bop qui swingue avec beaucoup de classe. Ballades, valses et notes d'inspiration classique font bon ménage ici.

Le guitariste Jim Hall affectionne tout particulièrement les duos. Cette même année 1962, il enregistre deux albums mythiques au sein du quartette de Sonny Rollins, l'un très avant-gardiste, The Bridge, l'autre inspiré des musiques d'Afrique et d'Amérique Latine, What's New. Il explore au cours des années soixante le free jazz et le jazz d'avant-garde aux côtés de Art Farmer, Jimmy Giuffre, Steve Swallow ou George Russell. À cette époque, Jim hall a beaucoup apporté à la guitare Jazz, faisant d'elle un instrument d'accompagnement, qui remplace le piano, donnant ainsi aux groupes un son original. Son style n'a cessé d'évoluer, laissant transparaitre à la fois sa grande connaissance de la composition classique et son goût pour la musique moderne. (Infos de Wikipedia)

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Weeki Wachee Springs

2010-04-20T00:05:00.007-04:00

Photo Frisson

Cette photographie de mode, datant de 1947, est l'oeuvre de Toni Frissell. Elle débuta comme photographe de mode après avoir été congédiée du magazine Vogue pour lequel elle écrivait les légendes de photos. Bien qu'ayant aussi photographié divers enjeux de société, elle est surtout reconnue pour ses photographies de mode qui ont souvent un côté austère. Elle fut une des premières à déplacer ses modèles du studio vers l'extérieur, en pleine nature, comme on le voit sur cette photo captée à Weeki Wachee Springs. Pour voir la photo en grand format, cliquez ici.

Maintenant, quel est le rapport avec le jazz? Cette photo fut utilisée pour la couverture d'un album de jazz très réputé. Lequel? Les amateurs peuvent répondre dans les commentaires… ou attendre le prochain billet!

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The Beach Boys, Barney Kessel et Julie London

2010-04-19T00:05:00.000-04:00

Vintage Frisson

Après Wes Montgomery, Kenny Burrell et Grant Green, on poursuit avec le guitariste de jazz américain Barney Kessel. Qu'a en commun celui-ci avec les Beach Boys? Écoutez l'intro de la chanson Wouldn't It Be Nice de l'album Pet Sounds des Beach Boys, paru en 1966.

Dans les années 60, Kessel était considéré comme l'un des meilleurs guitaristes de studio aux États-Unis (séances « pop », musiques de film…). À ce titre, il a joué sur des centaines d'albums pop de Phil Spector, des Monkees, des Beach Boys et plusieurs autres. Kessel utilisait parfois une guitare faite sur mesure, consistant essentiellement en un manche de guitare à 12 cordes rattachée à la caisse de résonance d'une mandoline. C'est l'instrument avec lequel il joue sur l'intro de Wouldn't It Be Nice.

Wikipedia nous apprend que Barney Kessel s'achète sa première guitare à 12 ans et apprend l'instrument en autodidacte. La principale source d'inspiration du jeune musicien est le guitariste Charlie Christian. En 1943, il est membre de l'orchestre, dirigé par Ben Pollack, qui accompagne le spectacle de Chico Marx. Kessel se produit avec de nombreux musiciens de jazz et commence à se faire une solide réputation. Il fait partie des big bang de Charlie Barnet (1944-1945) et Artie Shaw (1945) tout en continuant une abondante carrière en studio.

En 1947, Kessel rejoint la troupe du J.A.T.P. de Norman Granz et accompagne Charlie Parker lors de l'enregistrement du fameux Relaxin' at Camarillo. En 1952-1953, il accomplit une longue tournée comme guitariste du trio du pianiste Oscar Peterson. Sous le nom des Poll Winners (trio réunissant Kessel, le contrebassiste Ray Brown et le batteur Shelly Manne), il enregistre quatre albums entre 1957 et 1960 qui connaissent un franc succès. Au cours des années 70 et 80, Barney Kessel, Charlie Byrd et Herb Ellis forment un groupe, The Great Guitars, qui joue les grands standards de jazz. Kessel dit à son auditoire qu'il veut " Vous montrer la guitare sous toutes ses formes pour vous épater".

Catalogué un peu hâtivement comme étant un guitariste be-bop, Barney Kessel est capable de s'adapter à tous les styles. On peut l'entendre avec des musiciens aussi différents que Louis Armstrong, Nat King Cole, Coleman Hawkins, Roy Eldridge, Lionel Hampton, Ben Webster, Woody Herman, Ben Webster, George Benson et même Ornette Coleman. Il est aussi un exceptionnel accompagnateur de chanteuses et on a pu l'entendre aux côtés de Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Anita O'Day et Julie London (c'est lui qui tient la guitare sur le tube de cette dernière, Cry me a river).

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Herb, Oscar, Ella et Louis

2010-04-16T00:04:00.002-04:00

Vintage Frisson

Notre pèlerinage auprès des guitaristes de jazz ne saurait être complet sans mentionner Herb Ellis. Né à Farmersville, Texas, le 4 août 1921, il est décédé il y a seulement deux semaines à Los Angeles, le 28 mars 2010, des suites de la maladie d'Alzheimer. Ellis était une valeur sure lors des sessions d'enregistrement des studios de la côte ouest américaine dans les années 60. Le critique de jazz américain Scott Yanow l'a décrit comme "un excellent guitariste d'influence bop avec une légère note country dans le son" (an excellent bop-based guitarist with a slight country twang to his sound).

En 1952, Herb Ellis rejoint le trio d'Oscar Peterson pour remplacer Barney Kessel et former ce que Scott Yanow appellera "l'un des meilleurs trios piano-contrebasse-guitare de l'histoire du jazz" (one of the most memorable of all the piano, guitar, and bass trios in Jazz history). Accompagnés du batteur Buddy Rich, ils enregistrent les deux albums célébrissimes du duo Ella Fitzgerald - Louis Armstrong, Ella & Louis en 1956 puis Ella & Louis Again l'année suivante. Le batteur Louie Bellson prend le relais de Buddy Rich sur ce dernier album.

En l'absence d'un batteur dans le trio d'Oscar Peterson, c'est Ellis qui procure la fondation rythmique pour le jeu énergique du pianiste, en plus des solos de guitare. Ellis excelle tant dans ce rôle que, lors de son départ en 1958, Peterson le remplace non pas par un guitariste, mais par le batteur Ed Thigpen. En 1959 et 1960, Ellis part en tournée avec Ella Fitzgerald. Herb Ellis, un guitariste de grande classe.

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Grant Green, My Favorite Things

2010-04-13T00:05:00.002-04:00

Vintage Frisson

Je vais maintenant utiliser un grand détour pour vous amener à notre destination. Vous aurez peut-être remarqué la présence de la comédie musicale dans les billets de Jazz Frisson depuis quelque temps. Alors, journée spéciale aujourd'hui, nous amorçons le parcours avec la Mélodie du Bonheur (The Sound of Music), la comédie musicale composée par Richard Rodgers sur des paroles d'Oscar Hammerstein II, dont la première fut donnée le 16 novembre 1959 à Broadway au Théâtre Lunt-Fontanne à New York.

La comédie est inspirée de la biographie familiale de Maria Augusta Trapp, la famille des chanteurs Trapp. En Autriche, juste avant la Seconde Guerre mondiale, les moniales d'une abbaye à Salzbourg, chantent le Dixit Dominus (Praeludium). L'une des postulantes, Maria, est manquante: dans la montagne, elle exprime son regret de quitter ses collines (The Sound of Music). La mère-abbesse et les religieuses se questionnent sur ses fugues et sa vocation (Maria). Maria explique à la mère-abbesse qu'elle a été comme appelée par la montagne, la mère-abbesse se joint à elle pour parler de ses choses favorites (My Favorite Things). Elle lui demande alors de quitter pour quelque temps le couvent afin de mieux discerner son appel à la vie monastique. Les sept enfants du Capitaine von Trapp ont justement besoin d'une gouvernante, et Maria restera auprès d'eux jusqu'en septembre (tiré du synopsis de la version scénique présentée à Broadway en 1959).

Ce qui nous amène à l'album My Favorite Things de John Coltrane paru en 1961. Coltrane est accompagné de son nouveau groupe qui inclut McCoy Tyner (piano), Elvin Jones (batterie) et Steve Davis (contrebasse). Le morceau titre est une interprétation modale du standard de Richard Rodgers et Oscar Hammerstein. Cette version de Coltrane aura une influence déterminante sur l'avenir du saxophone soprano, loin des clichés liés à Sydney Bechet. En utilisant des motifs circulaires, il crée une transe similaire à celle de la musique orientale, développant ainsi une nouvelle voie d'exploration.

« C'est cette My Favorite Things qui est, de tous ceux que nous avons enregistrés, mon morceau préféré. Je ne pense pas que j'aimerais le refaire d'une autre façon, alors que tous les autres disques que j'ai faits auraient pu être améliorés par quelques détails. Cette valse est fantastique: lorsqu'on la joue lentement, elle a un côté gospel qui n'est pas du tout déplaisant; lorsqu'on la joue rapidement, elle possède aussi certaines qualités indéniables. C'est très intéressant à découvrir, un terrain qui se renouvèle selon l'impulsion qu'on lui donne; c'est d'ailleurs la raison pour laquelle nous ne jouons pas cet air toujours sur le même tempo. » John Coltrane, Entretien avec François Postif publié par Jazz Hot en janvier 1962.

Et maintenant, fin de parcours, si on peut dire, avec la suggestion de mon ami Z, le guitariste Grant Green. Green était un guitariste américain de jazz né à Saint-Louis dans le Missouri le 6 juin 1935 et décédé à New York le 31 janvier 1979. Pour cette dernière interprétation de My Favorite Things, reportons nous lors de cette séance enregistrée en 1964. On se trouve ici en présence d'un véritable morceau de bravoure. Green mérite une médaille pour avoir repris My Favorite Thing avec sensiblement la même rythmique que celle de Coltrane! Green est ici entouré de McCoy Tyner (piano), Bob Cranshaw (contrebasse) et Elvin Jones (batterie). Ensemble, ils ont gravé ce grand classique de Green, l'album Matador. Le morceau titre s'étire sur presque 10 minutes passionnantes, comme d'ailleurs presque tous les titres de cet album.

L'ambiance de ce disque évolue entre Be Bop et blues/groove. C'est aussi dans cette direction que Grant Green ira, à la fin des années 60, colorant son jazz d'une bonne dose de funk. D'ailleurs, plusieurs des enregistrements de sa période funk sont des succès commerciaux et ont été samplés à de nombreuses reprises par les producteurs de hip-hop. On disait de Green qu'il avait un son très "groovy". Green, un autre de ces excellents guitaristes de jazz de la trempe des Wes Montgomery et Kenny Burrell dont je vous parlais récemment.

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Professeur Kenny Burrell

2010-04-09T00:05:00.001-04:00

Vintage Frisson

De Wes Montgomery, dont je parlais dans mon billet précédent, à Kenny Burrell, il n'y a qu'un pas. Je poursuis donc mon exploration des guitaristes de jazz. Wikipedia nous apprend que Kenny Burrell commence sa carrière au début des années cinquante, qu'il joue avec de nombreux jazzmen (Dizzy Gillespie, Oscar Peterson, Benny Goodman, Jimmy Smith, Stan Getz, Gil Evans, Chet Baker) et enregistre plus d'une centaine d'albums. Depuis 1978, il enseigne aussi l'histoire du jazz à l'université de Los Angeles. J'aime beaucoup son jeu qui évite la déferlante de notes pour impressionner. C'est un style très "cool" qui n'est pas sans rappeler celui de Wes Montgomery.

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Go Wes Young Man!

2010-04-06T15:41:00.002-04:00

Vintage Frisson

J'écoute beaucoup Wes ces temps-ci. Le guitariste de jazz Wes Montgomery fut une grande influence sur plusieurs de ses successeurs. Pat Metheny a dit qu'il avait appris à jouer en écoutant l'album "Smokin' At The Half Note" paru en 1965. Joe Pass a ajouté que selon lui, " il n'y avait eu que trois véritables innovateurs dans le domaine de la guitare, Wes Montgomery, Charlie Christian et Django Reinhardt." Kenny Burrell a souligné comment c'était un honneur pour lui quand Wes lui demandait d'être son second guitariste pour une séance d'enregistrement. Finalement, Stevie Ray Vaughan, Eric Johnson, Joe Satriani, Jimi Hendrix, David Becker, Joe Diorio, Steve Lukather et Pat Martino ont tous mentionné à maintes reprises l'influence de Wes Montgomery sur leur jeu.

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Rupa and the April Fishes

2010-04-01T00:05:00.006-04:00

Critique CD

C'est le mois d'avril. On laisse les poissons s'envoler. Et ce poisson porte particulièrement bien son nom. Rupa and the April Fishes. Née en Californie de parents indiens, glissant aisément de l'anglais au français ou à l'espagnol, Rupa Marya, MD est médecin de jour et chanteuse de soir pour son groupe Rupa and the April Fishes. Élevée à San Francisco, puis en France et en Inde, elle réussit à mener les deux carrières de front.

Une américaine à Paris

Il y avait quelques jours en silence
j’ai pas dit un mot
et puis je t’ai rencontré ici à Paris

Assis près de moi dans un bistro
tu viens d’Algiers
et moi je viens de San Francisco

Un monde fou entre nous

Tu m’as demandé
t’as pas peur être américaine
ici à Paris
avec tous ces arabes fâchés

J’ai dit non, je ne suis pas américaine
tu n’es pas arabe et nous ne sommes pas à Paris

Un monde fou entre nous

Qu’est que tu pense de tout cela?
de toutes ces histoires?
les histoires nous rendent fou

T’as voulu prendre ta photo avec moi
j’ai dit non merci, pas de photo
je préfère la vie

Je ne suis pas américaine
tu n’es pas arabe et nous ne sommes pas à Paris
nous sommes dans la vie

Un monde fou entre nous

(Rupa Marya)

Sa musique a des accents de carnaval qui ne sont pas sans rappeler les films d'Emir Kusturica et ses fanfares tziganes déjantées. Une chose est certaine, Rupa sait comment faire lever une salle en spectacle et carrément lancer la fête. Elle sera à Toronto au Luminato Festival le 19 juin prochain. Allez donc pêcher le nouvel album de Rupa, Este Mundo, ici!

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Stacey Kent, Raconte-moi

2010-03-29T00:05:00.003-04:00

Critique CD

La magnifique chanteuse Stacey Kent vient de faire paraître son tout nouvel album, Raconte-moi. Pour ceux qui ont aimé son dernier opus, Breakfeast On The Morning Tram, vous ne serez pas déçu. Alors que ce dernier comprenait deux chansons en français, l'album Raconte-moi est un recueil de douze chansons exclusivement en français, dont dix écrites par des compositeurs dont c'est la langue maternelle. L'amour de Stacey Kent pour le français et la France ne date pas d'hier. Son grand-père, un émigré russe, apprit le français à Stacey, lui faisant réciter des poèmes de Baudelaire avant même qu'elle ne soit en âge de comprendre ce qu'elle disait. Jeune homme, son grand-père avait fui la révolution bolchévique et passé quelques années à Paris, avant de rejoindre le reste de sa famille exilée aux États-Unis.

Rencontre sophistiquée de la chanson française et du jazz vocal, les arrangements sont signés par son mari, le saxophoniste et producteur Jim Tomlinson. On y retrouve quelques classiques (Jardin d'hiver d'Henri Salvador, Mal de vivre de Barbara, les Eaux de Mars adaptée par Georges Moustaki sur la musique de Jobim) mais surtout des chansons originales signées par de nouveaux auteurs-compositeurs comme Émilie Saat, Jean-Karl Lucas, Bernie Taupère et Camille d'Avril qui injectent une bonne dose d'humour et de coquinerie convenant tout à fait au jeu de Stacey.

La Vénus du Mélo

À quoi tu joues beau ténébreux, avec tes yeux couleur d'automne
Tes joues qui fondent, le ventre creux
Qu'est-ce que tu veux, Buster Keaton ?
Besoin d'amour et de tendresse, de contre-jour et de caresse
Ton petit coeur nécessiteux qui fait la manche dans mes cheveux
Qu'est-c'que tu m'veux ?

Que je te prenne, que je t'étreigne, que je te joue sur mon piano
Que je t'allume, que je t'éteigne, que je te couche sur le dos
Oui mais ce soir, t'as pas de veine, je suis la Vénus du Mélo

Avec tes mines et tes manières quand tu composes sans avoir l'air
Tes mains qui braillent et ton oeil noir et qui se pose sur mon peignoir
Cauchemard, frayeur et gros chagrin, tu as rêvé que t'était nain
Que tes espoirs étaient en feu et que l'amour n'était qu'un jeu
Qu'est-c'que tu m'veux ?

Que je te prenne, que je t'étreigne, que je te joue sur mon piano
Que je t'allume, que je t'éteigne, que je te couche sur le dos
Oui mais ce soir, c'est pas la peine, je suis la Vénus du Mélo

Avec ton grand corps qui baîlle, tendre animal, beau paresseux
Ton petit sourire qui trouve la faille craque le premier de nous deux
Viens si tu veux...

Que je te prenne, que je t'étreigne, que je te joue sur mon piano
Que je t'allume, que je t'éteigne, que je te couche sur le dos
Que je te prenne, que je t'étreigne, que je te joue sur mon piano
Que je t'allume, que je t'éteigne
Je suis la Vénus du Mélo, je suis la Vénus du Mélo.

(Paroles de Bernie Beaupère)

Stacey Kent sera en spectacle le 10 juin au Palais Montcalm de Québec.

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Blossom Dearie, La Belle Dame Sans Regret

2010-03-27T00:05:00.002-04:00

Critique CD

J'espère que cette semaine sous le signe du printemps en compagnie de la sublime Blossom Dearie vous a charmé. En passant, vous vous posez peut-être la question. Blossom Dearie, est-ce son vrai nom? Oui, Marguerite Blossom Dearie pour être exact. Son père était irlandais et sa mère écossaise. Nous terminerons donc la semaine avec une chanson tirée du dernier album de Blossom, intitulé Blossom's Planet et paru sur Daffodil Records en 2000. Il faut savoir que Blossom Dearie était une femme d'affaires avisée. Avant-gardiste, elle prit rapidement le contrôle de sa carrière en créant sa propre étiquette de disques en 1974, Daffodil Records. Elle y publia 15 albums, tout en continuant de se produire dans les clubs de jazz de New York. On peut dire que Blossom mena sa vie à sa façon, selon ses termes, " sans regret "…

La Belle Dame Sans Regrets

Dansons, tu dis
Et moi, je suis
Mes pas sont gauches
Mes pieds tu fauches
Je crains les sots
Je cherche en vain les mots
Pour m'expliquer ta vie
Alors tu mens, ma Soeur
Tu brises mon coeur
Je pense, tu sais
Erreurs, jamais
J'écoute, tu parles
Je ne comprends pas bien
La belle dame sans regrets

Je pleure, tu ris
Je chante, tu cries
Tu sèmes les graines
D'un mauvais chêne
Mon blé s'envole
Tu en a ras le bol
J'attends, toujours
Mes cris sont sourds
Alors tu mens, ma Soeur
Tu brises mon coeur
Je pense, tu sais
Erreurs, jamais
J'écoute, tu parles
Je ne comprends pas bien
La belle dame sans regrets

La belle dame sans regrets...

(Sting)

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Blossom Dearie, Les Blue Stars

2010-03-26T00:05:00.002-04:00

Vintage Frisson

On continue de célébrer le printemps avec Blossom Dearie qui est accompagnée cette fois de son groupe français les Blue Stars. C'est Nicole Barclay qui invita Blossom Dearie à venir jouer à Paris en 1952. Et c'est au Mars Club, qui était situé près des Champs-Élysées, qu'elle va renouer avec son ami le chanteur Bobby Short, anciennement de Greenwich Village.

Les Blue Stars de France, suite logique pour Blossom, qui avait fait partie des Blue Flames de Woody Herman, puis des Blue Rays d'Alvino Ray. Harmonisation jazzy de hits connus, c'était la recette à succès d'Eddie Barclay. Et quel pif! Un demi-million de copies vendues aux États-Unis de La légende du pays des oiseaux, adaptée du Lullaby of Birdland de George Shearing avec arrangements de Michel Legrand! On retrouvait aussi sur l'album Toute ma joie, une adaptation de That's My Girl de Nat King Cole, ainsi qu'Embrasse-moi bien et Lettre à Virginie. Pour l'occasion Blossom avait assemblé quatre chanteurs-musiciens: le vibraphoniste Fats Sadi, le pianiste Christian Chevalier aux arrangements, le trompettiste Roger Guérin et le saxophoniste Jean Mercadier. Quatre voix féminines complétaient la formation: Christiane Legrand, Jeanine de Waleyne, Nadine Young et Blossom elle-même. Les Blue Stars deviendront plus tard les Double Six, qui formeront éventuellement les Swingle Singers.

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Blossom Dearie, I Wont Dance

2010-03-25T00:04:00.005-04:00

Vintage Frisson

Une des grandes qualités de Blossom Dearie fut de toujours s'entourer d'excellents musiciens. Plusieurs de ses albums de la fin des années 50 comptaient sur la présence d'une section rythmique de haut vol: Ray Brown à la contrebasse, Jo Jones ou Ed Thigpen à la batterie. Et avant une scéance d'enregistrement, Blossom demandait toujours une répétition avec le contrebassiste. " Le timing est essentiel. Je ne suis pas une pianiste aggressive, dit-elle, il me faut donc un contrebassiste solide. La batterie et la contrebasse deviennent partie intégrale du jeu et du chant ". Remarquez d'ailleurs comment l'intro de "I won't Dance" est ciselée et nerveuse. Je n'ai pas l'information pour la version de la vidéo mais on entend probablement Mundell Lowe à la guitare. Et notez comment Blossom injecte une bonne dose d'humour à son interprétation.

I Won't Dance

I won't dance, don't ask me
I won't dance, don't ask me
I won't dance monsieur with you
My heart won't let my feet do things they should do

You know what, you're handsome
You know what, too handsome
But oh what you do to me
I'm like an ocean wave that's bumped on the shore
I feel so absolutely stumped on the floor

When you dance, you're charming and you're gentle
'Specially when you do The Continental
But this feeling isn't purely mental
For heaven rest us, I'm not asbestos
And that's why

I won't dance, why should I?
I won't dance, how could I?
I won't dance, merci beaucoup
I know that music lead the way to romance
So if you hold me in your arms I won't dance

When you dance, you're charming and you're gentle
'Specially when you do The Continental
But this feeling isn't purely mental
For heaven rest us, I'm not asbestos
And that's why

Je ne danse pas, je ne veux pas
Je ne danse pas, je ne peux pas
Je ne danse pas, merci monsieur
Vous êtes gentil et je vous aimes
C'est vrai
Mais je n'peux danser quand vous êtes si près

Which means when I'm in your arms I won't dance

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Blossom Dearie, They Say Its Spring

2010-03-24T00:05:00.005-04:00

Vintage Frisson

Encore un autre classique que j'aurais pu inclure dans mon billet printanier Spring in Swing! La charmante Blossom Dearie adore nous chuchoter des cajoleries à l'oreille. Mais elle ne minaude pas. Sous cette apparente simplicité se cache une remarquable efficacité dans la façon de placer sa voix. Elle s'approprie les chansons qui deviennent véritablement "Blossom". Et quand elle chante en terminant "That wondrous day that you caught me, Darling I thought we knew, That it wasn't spring, 'Twas you,", le tout nous frappe comme une évidence. Parce qu'avec Blossom, le printemps dure éternellement!

They Say It's Spring

When I was young I lived in a world of dreams
Of moods and myths and illusionary schemes
Though now I'm much more grown up
I fear that I must own up
To the fact that I'm in doubt of
What the modern cynics shout of

They say it's spring
This feeling light as a feather
They say this thing
This magic we share together
Came with the weather too

They say it's May
That's made me daft as a daisy
It's May, they say
That gave the whole world this crazy
Heavenly, hazy hue

I'm a lark
On the wing
I'm the spark of a firefly's fling

Yet to me
This must be
Something more than a seasonal thing

Could it be spring
Those bells that I can hear ringing
It may be spring
But when the robins stop singing
You're what I'm clinging to
Though they say it's spring
It's you

If poets sing
That when a heart sympathetic
It's merely spring
Then poets plights are pathetic
Though I'm poetic too

They say it's spring
For lovers, there's where the lure is
That evil thing
For which September the cure is
This, they are sure is true

Though I know
That it's so
That my fancy may turn in the spring

With the right
One in sight
One can find a perpetual thing

Did I need spring
To bring the ring that you bought me
Though it was spring
That wondrous day that you caught me

Darling I thought we knew
That it wasn't spring
'Twas you

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Blossom Dearie, The Surrey with the Fringe on Top

2010-03-23T00:05:00.003-04:00

Vintage Frisson

Continuons sur notre lancée avec Blossom Dearie encore, et une chanson enregistrée au début des années 60, The Surrey with the Fringe on Top. Comme notre groupe de blogueurs en discutait abondamment dans les commentaires de la série Spring in Swing!, les chansons de comédie musicale ont souvent servi d'inspiration aux musiciens. Cette chanson est tirée de la comédie musicale Oklahoma! de Rodgers and Hammerstein datant de 1943. Différentes versions de la chanson furent enregistrées par Ahmad Jamal, Marlene Dietrich, Miles Davis, Nancy LaMott, Sonny Rollins, Betty Carter, McCoy Tyner, Wes Montgomery, Wynton Kelly, Johnny Smith, Beverly Kenney, Ray Brown, Barney Kessel, Joe Brown, J. J. Johnson et le Kai Winding Trombone Octet.

The Surrey with the Fringe on Top

Chicks and ducks and geese better scurry

When I take you out in the surrey,

When I take you out in the surrey with the fringe on top!

Watch that fringe and see how it flutters

As I drive them high steppin' strutters.

Nosey pokes'll peek thru' their shutters and their eyes will pop!

The wheels are yellow, the upholstery's brown,

The dashboard's genuine leather,

With isinglass curtains y' can roll right down,

In case there's a change in the weather.

Two bright sidelight's winkin' and blinkin',

Ain't no finer rig I'm a-thinkin'

You can keep your rig if you're thinkin' that I'd carer to swap

Fer that shiny, little surrey with the fringe on the top!

I can feel the night gettin' blurry,

As we drive back home in the surrey,

Drivin' slowly home in the surrey with the fringe on top!

I can feel the day gettin' older,

Feel a sleepy head on my shoulder,

Noddin', droopin' close to my shoulder, till it falls kerplop!

The sun is swimmin' on the rim of a hill;

The moon is takin' a header,

And just as I'm thinkin' all the earth is still,

A lark'll wake up in the medder.

Hush, you bird, my baby's a-sleepin'!

Maybe got a dream worth a-keepin'

Whoa! you team, and jist keep a-creepin' at a slow clip clop.

Don't you hurry with the surrey with the fringe on the top!

Richard Rodgers / Oscar Hammerstein II)

Blossom Dearie, The Surrey with the Fringe on Top, c'est cool, c'est swing, c'est toute la désinvolture du début des années 60 qui s'étale sous nos yeux…

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Spring in Swing! Blossom Dearie

2010-03-21T18:00:00.020-04:00

Aujourd'hui, nouveau rendez-vous de notre groupe de blogueurs de jazz, le Z-Band, placé sous le signe du printemps! Pour d'autres petites douceurs printanières, passez donc faire un tour chez les amis qui vous attendent à la fin de ce billet!

The Ballad Of The Spring

Blossom Dearie! Oh! Oui!!! Pour moi, peu de chanteuses de jazz ont une voix qui évoque à ce point la douce fraîcheur d'une journée de printemps! Wikipedia nous informe qu'elle est née en 1926 à East Durham, dans l'État de New York, et qu'elle étudie le piano classique avant de se tourner vers le jazz à l'adolescence. Après le lycée, elle déménage à New York pour engager sa carrière ; là-bas, elle commence à chanter dans différents groupes comme The Blue Flames (avec le Woody Herman Orchestra) et The Blue Reys (avec l'Alvino Rey's Band) avant de se lancer dans une carrière solo.

En 1952, elle déménage à Paris et forme un groupe de chant, Les Blue Stars qui se fait connaitre en France en 1954 avec La Légende Du Pays Aux Oiseaux, fine adaptation (par Michel Legrand) de Lullaby of Birdland. Elle rencontre dans la capitale française son futur mari, le saxophoniste et flûtiste belge Bobby Jaspar. C'est également à Paris que l'impresario Norman Granz l'entend et la fait signer chez Verve Records. Pourtant, sur son premier album solo, sorti en 1956, elle joue du piano, mais ne chante pas. L'une des chansons les plus connues de cette période est The Riviera, écrite et composée par Cy Coleman et Joseph McCarthy Jr. en 1956. Elle revient aux États-Unis vers la fin des années 50. Blossom Dearie s'éteindra le 7 février 2009 dans son appartement de New York.

La vidéo suivante, dont l'origine et la date ne sont pas précisées, a visiblement été enregistrée lors de sa période parisienne.

"The ballad of the spring"

Agitée comme un roseau dans la tourmente

Tout m'énerve et tout m'irrite en ce moment

Le monde me désenchante

Par ce beau jour de printemps

Fatiguée, désabusée et sans courage

Impatiente je ne sais plus ce qui m'attend

Je sens arriver l'orage

Par ce beau jour de printemps

Je voudrais me sentir loin d'ici

Fuir la vie de chaque jour

Et peut-être en m'évadant ainsi

Y trouverais-je l'amour

Les bourgeons des marronniers de mon enfance,

L'aubépine, la jacinthe, et les lilas blancs

En vain me chante leur romance

Douterais-je du printemps?

Tout est si joyeux

Pourtant, je suis malheureuse

D'où me vient tout ce tourment?

O mon ami c'est le printemps

(Oscar Hammerstein II/Richard Rodgers)

"Plus je t'embrasse…"

Plus je t'embrasse, plus j'aime t'embrasser

Plus je t'enlace, plus j'aime t'enlacer

Le temps qui passe ne peut rien y changer

Mon coeur bat quand tu t'en vas

Mais tout va bien quand tu reviens, car

Plus je t'embrasse, plus j'aime t'embrasser

Je ne peux m'en passer

J'en ai tellement envie que j'oublie tout dans la vie

C'est sans cesse que j'aime t'embrasser

Plus je t'embrasse, plus j'aime t'embrasser

Plus je t'enlace, plus j'aime t'enlacer

Le temps qui passe ne peut rien y changer

Mon coeur bat quand tu t'en vas

Mais tout va bien quand tu reviens, car

Plus je t'embrasse, plus j'aime t'embrasser

Je ne peux m'en lasser

J'en ai tellement envie que j'oublie tout dans la vie

C'est sans cesse que j'aime t'embrasser

Plus je t'aime, plus tu m'aimes

Plus j'aime t'embrasser!

(Ben Ryan)

Ahhhhh! Blossom Dearie! Même son nom sonne comme le printemps, comme une fleur qui vient tout juste d'éclore, encore fragile, tout comme sa voix d'ailleurs. Quel merveilleux cadeau cette grande dame nous a légué...

Les autres membres de notre collectif le Z-Band sont par ici:

Ptilou’s Blog: Clifford Brown avec "Joy Spring"

Jazz à Berlin: "Springtime" De Dolphy, version Eberhard - Berlin

jazzOcentre: "You must believe in spring" de Michel Legrand à Bill Evans

Mysterio Jazz: "Springtime Again" par Sun Ra

Jazz à Paris: “Springtime for… & Correction“

Bien Culturel: "Springtime Dancing" de Manu Katché

Belette & Jazz: Kenny Dorham et "Spring"

Maître Chronique: "Spring Is Here" de John Coltrane

Jazzques: "Every Time We Say Goodbye" de Jeanne Lee et Mal Waldron

Jazz Frisson: Blossom Dearie et "The Ballad Of The Spring"

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Christine Jensen Jazz Orchestra

2010-03-14T16:50:00.006-04:00

Concert

Normalement, j'aurais dû vous parler de ce concert plus tôt, mais des obligations plus urgentes m'en ont empêché. Donc, le 19 février dernier, la compositrice et saxophoniste montréalaise Christine Jensen lançait son dernier album Treelines au Gesu à Montréal avec le Christine Jensen Jazz Orchestra, un ensemble de 18 musiciens, composé entre autres de Chet Doxas, de Joel Miller et d'Eric Hove aux saxophones, de Jean-Nicholas Trottier et de David Grott aux trombones, de Jocelyn Couture à la trompette ainsi que de Martin Auguste, de Steve Amirault et de Fraser Hollins à la section rythmique. De plus, on accueillait la remarquable trompettiste new yorkaise Ingrid Jensen comme soliste invitée. Ingrid Jensen est la trompettiste attitrée du Maria Schneider Orchestra et elle est la soeur de Christine Jensen.

Christine Jensen, qui enseigne le jazz à l'Université McGill, a profité des enseignements d'excellents tuteurs, Pat La Barbera, Kenny Werner, Jim McNeely, Remi Bolduc, Dick Oatts et Steve Wilson. Pour bien comprendre la musique de Christine Jensen, il faut aussi savoir qu'elle est originaire de Nanaimo, une île située à quelque 50 kms de Vancouver. D'ailleurs, Diana Krall est également originaire de cette même île de Nanaimo. Et cela s'entend dans la musique de Christine Jensen. On peut très aisément y retrouver le bruit des vagues qui se brisent sur la plage, le craquement des vieux bateaux de bois à quai et le vent dans les majestueux arbres qui bordent l'océan. L'imaginaire de Christine Jensen est fortement ancré dans la nature, dans sa nature natale.

Et le groupe de musiciens rassemblés ce soir-là m'a convaincu que nous sommes en présence d'un big band de qualité internationale! On sent l'influence des grands Gil Evans et Bob Brookmeyer. C'est un orchestre qui respire, qui a de l'élan et du swing. Les big bands sont une espèce rare sur scène. Il est très dispendieux d'envisager une tournée avec 18 musiciens, en effet! L'occasion de voir un big band de qualité en spectacle est donc une chance inespérée. Mon propre point de référence est l'orchestre de Maria Schneider, que je considère comme le summum du raffinement. J'ajoute maintenant le Christine Jensen Jazz Orchestra, car j'estime qu'il s'agit d'une référence en la matière au Canada! Et je vous encourage fortement à vous procurer l'album Treelines, qui est merveilleusement bien enregistré. Aucun amateur de big band de jazz ne devrait se passer de Treelines! C'est une pure merveille!

Merci à Sortiesjazznights.com pour la vidéo du Christine Jensen Jazz Orchestra.

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Le Jazz au Grammys 2010

2010-02-02T13:20:00.002-05:00

Frisson News

C'est dimanche 31 janvier 2010, à Los Angeles, que s'est déroulée la 52e cérémonie des Grammy Awards. Une soirée marquée par le triomphe de Beyoncé et de Taylor Swift. Toutefois, à mon avis, le clou de la soirée fut l'apparition de la mythique Stevie Nicks de Fleetwood Mac. Que voulez-vous, la dame a fait vibrer mon coeur d'ado dans les années 70. Quant à Taylor Swift, je n'ai pas grand-chose à ajouter à son sujet. Bon, il est vrai qu'elle a une très jolie guitare...

Je dois admettre aussi m'être bien amusé de voir tous ces gens dans la salle avec leurs lunettes 3D lors de la chanson hommage à Michael Jackson. Moi qui ai toujours rêvé de voir Celine en 3D... Un grand moment d'ironie. Mais arrivons-en à ce qui nous intéresse plus particulièrement, les gagnants dans la catégorie jazz:

Meilleur Album de Jazz Contemporain: Joe Zawinul & The Zawinul Syndicate - 75

Meilleur Album de Jazz Vocal: Kurt Elling - Dedicated to You : Kurt Elling Sings the Music of Coltrane and Hartman

Meilleure Impro de Jazz en Solo: Terence Blanchard - Dancin' 4 Chicken

Meilleur Album de Jazz Instrumental: Five Peace Band Live

Meilleur Album d'Ensemble de Jazz: New Orleans Jazz Orchestra - Book One

Meilleur Album de Jazz Latin: Bebo Valdes and Chucho Valdes - Juntos Para Siempre

Voilà enfin un hommage tardif pour le regretté Joe Zawinul. Dans le milieu du jazz vocal, la reconnaissance est entièrement méritée pour Kurt Elling. Le prix pour Impro Jazz Solo de Terence Blanchard est une surprise qui ne fera sans doute pas unanimité. Pour les autres lauréats, il s'agit d'une belle mise en avant. On ne peut que déplorer l'absence d'une vitrine telle que les Grammys et qui serait consacrée uniquement au Jazz.

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Jeunes Pousses – Parc-X Trio

2009-12-20T18:00:00.003-05:00

Chronique Z-Band

C'est à nouveau le temps de la réunion trimestrielle du Z-Band. Il s'agit d'un groupe de blogueurs animé par la même passion, celle de la musique et du jazz en particulier. Aujourd'hui, notre regroupement a décidé de mettre en avant les musiciens de la relève, les Jeunes Pousses. Des musiciens enthousiastes, inventifs, encore peu connus et qui prennent leur destinée musicale en main. Nous espérons que ces découvertes musicales vous inspireront.

Parc-X Trio est un groupe de jazz instrumental composé de Gabriel Vinuela-Pelletier (piano), Alex Lefaivre (contrebasse) et Mark Nelson (batterie). Leurs compositions originales sont une réelle trame sonore de leur milieu urbain. Issu de Parc-Extension, quartier le plus multiculturel de Montréal, le groupe est reconnu pour ses concerts énergiques et sa présence sur scène. Leur premier album éponyme est autoproduit a été lancé au printemps dernier.

De retour d'une tournée en Ontario et au Québec le groupe a participé au Festival International de Jazz de Montréal en juillet 2009. Le trio, qui a reçu une mention spéciale pour son originalité et sa présence scénique, sera de l'édition 2010 du Festival. Ces jeunes pousses possèdent une maturité étonnante au niveau de la composition. Se posant en dignes héritiers de Monk, le jeu du groupe reflète le style hard bop des belles années Blue Note. Ces musiciens ont assimilé les grandes références pour créer un jazz riche et vitaminé. Animés par une démarche rigoureuse et ludique à la fois, ils sont voués au succès.

On peut écouter quelques pièces de leur album sur le MySpace de Parc-X Trio.

On peut acheter l'album Parc-X Trio chez CD Baby.

On peut voir Parc-X Trio en spectacle à Montréal au bar Les Pas Sages les 5 et 19 janvier 2010.

On trouvera les billets des collaborateurs du Z-Band qui traitent des Jeunes Pousses à travers le monde ici, incluant un nouveau venu, Jazz à Berlin :

Jazz à Berlin: Peter Van Huffel, saxophone

Ptilou’s Blog: Nenad Gajin, guitare

Mysterio Jazz: Tyondai Braxton et son groupe Battles

jazzOcentre: Benoit Lavollée, vibraphoniste

Jazz à Paris: Sylvaine Hélary

Z et le Jazz: Ping Machine ou Triphase de Anne Pacéo

Maître Chronique: Stabat Akish

Jazz Frisson: Parc-X Trio

Je profite de l'occasion pour souhaiter de très Joyeuses Fêtes à tous les amis blogueurs et à tous les fidèles lecteurs de Jazz Frisson! Que l'année 2010 déborde de belles découvertes Jazz!

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Surveillez les jeunes lundi prochain!

2009-12-18T00:05:00.006-05:00

Je reprends l'idée du Pitlou en rappelant que notre groupe de blogueurs publiera bientôt un billet collectif sur les Jeunes Pousses, ces musiciens prometteurs, connus ou à connaître, et qui forment la relève du jazz. Cette publication trimestrielle est une idée originale initié par Z il y a deux ans :

" publier au même instant une note ou une petite chronique

sur un sujet commun lié au jazz bien sûr "

Un p'ti rappel de nos précédentes publications :

Jazz'Elles (9 décembre 2007)

Pour son premier travail collectif, notre groupe de blogueurs mettait en avant quelques femmes de jazz :

Belette et Jazz : Une vision sur la place des amatrices de jazz au sein de la communauté jazzistique
Jazz à Paris : Carla Bley
Jazz Frisson : Tineke Postma
Jazzques: Mathilde Renault
Maître Chronique : Sophie Alour
Ptilou's blog : Sophia Domancich
Z.: Maria Schneider

Cordes Sensibles (3 mars 2008)

Après avoir célébré quelques grandes dames du jazz, notre gang de blogueurs remettait le couvert pour brosser six portraits envers et contrebasses.

Jazz à Paris : Benjamin Duboc
Jazz Frisson : Normand Guilbeault
Jazzques : Manolo Cabras
Maître chronique : Henri Texier
Ptilou's Blog : François Moutin
Z. : Christophe Wallemme

Ma première galette (23 juin 2008)

Ou comment, nous sommes entrés dans l'univers du jazz avec un premier disque…

Belette & Jazz : Chet Baker - Chet
Jazz à Paris : Art Blakey - Three Blind Mice
Jazz Frisson : Helen Merril - Music Makers
Jazzques : Thelonious Monk - At The Blackhawk
Maître chronique : John Coltrane - My Favorite Things
Ptilou's Blog : Miles Davis et Monk - Bag's Groove

L'art de la touche en Noir et Blanc (27 octobre 2008)

Une mise en avant de quelques-uns de nos pianistes préférés :

Jazz Chronique : Bheki Mseleku
L'Ivre d'image : Marc Copland
Maitre Chronique : Bojan Z
Jazz Frisson : Marco Benevento
Native dancer : Sylvie Courvoisier
Jazz à Paris : Jobic LeMasson
Belette et jazz : Andy Emler
Mysterioso Jazz :Craig Taborn
Ptilou's Blog :Jean Michel Pilc

puis en début d'année 2oo9 :

Tous sur Mingus (11 janvier 2oo9)

Un hommage collectif à ce grand musicien.

L'ivre d'image (Roudodoudourou) : " Blues and Roots "
Jazz Chronique & coup de coeur (Z) : " Change One & Change Two "
Mysterioso (Bill Vesée): " les relations avec Eric Dolphy " et "Mingus contre le courant "
Jazzques : " Mingus plays Piano "
JazzOcentre (La Pie Blésoise) : " Oh Yeah! "
Native Dancer : " Charles Mingus presents Charles Mingus "
Maitre Chronique : " Mingus Ah Hum "
Backstabber (Dorham) : " Tijuana moods "
Ptilou's blog : "moins qu'un chien"
Jazz à Paris : "l'évangile selon Mingus"
Bladsurb hommage Mingus.

Cordes et âmes "spécial guitaristes" (15 mars 2009)

L'ivre d'image (Roudodoudourou) : " Lionel Loueke "
Jazz Chronique & coup de coeur (Z) : " Eric Lörher "
Mysterioso (Bill Vesée): " Gabor Szabo "
JazzOcentre (La Pie Blésoise) : " John Scofield "
Maitre Chronique : " John Mc Laughlin "
Jazz à Paris : " Marc Ribot "
Bladsurb " Manu Codjia "
Ptilou's blog : " Mike Stern "
Jipes : " Charlie Hunter"
Jazz Frisson " Kurt Rosenwinkel "
Backstabber "Adam Rogers"

et aussi Jazzques Belette & Jazz Native Dancer

A choeur et à voix (21 juin 2oo9)

Jazz Frisson : Karen Young
Jazz à Paris : Jazz Divas
Jazz O Centre : Patricia Barber
Jazzques : Mélanie De Biasio et Julie Jaroszewski.
L'Ivre d'Images : Anthony Joseph and the spasm band
Maitre Chronique : Kurt Elling
Belette & Jazz : Petra Magoni (musica nuda)
Mysterio Jazz : Jeanne Lee
Ptilou's blog : Elizabeth Kontomanou
Z et le Jazz : Betty Roche

L'ivre d'image sur son nuage (30 sept 2oo9)

Des notes dédiées à notre ami blogueur Roudodoudourou disparu prématurément…

Jazz Frisson : Karen Young
Jazz à Paris : Aretha Franklin
Jazz O Centre : Hadouk Trio
Jazzques : Michel Petrucciani
Maitre Chronique : John Coltrane et Johnny Hartman
Belette & Jazz : Charlie Haden et Kenny Baron
Mysterio Jazz : Billie Holiday
Z et le Jazz : Pharoah Sanders
Ptilou's blog : Michael Blake

Dimanche soir et en lecture lundi matin, notre sujet touchera aux "jeunes pousses" du jazz. Un bon moyen de découvrir de nouveaux musiciens talentueux et en devenir !!!!

À souligner la présence d'un nouveau blogueur

au sein de notre groupe : Jazz à Berlin

Et une petite pensée pour notre ami disparu cet été…

Donc, ne manquez pas ce rendez-vous incontournable de la blogosphère jazzistique dimanche soir prochain. Un joli cadeau de Noël pour les amateurs de jazz!

Et un merci tout spécial au Ptilou qui consacre beaucoup de temps pour nous garder à l'ordre, ce qui n'est pas une mince tâche.

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Elisabeth Kontomanou - Siren Song

2009-12-05T00:10:00.006-05:00

Critique CD

Invitée par l'Arsenal de Metz le 19 janvier 2008 et accompagnée pour cette occasion par l'Orchestre National de Lorraine (dirigé par son chef titulaire Jacques Mercier), Elisabeth Kontomanou se replonge dans les grands standards qui donnèrent au jazz toutes ses lettres de noblesse. Le résultat est un nouvel album intitulé Siren Song Live at Arsenal paru en octobre dernier. Une chanteuse et des cordes, dites-vous? Lorsqu'une chanteuse que vous aimez particulièrement décide de commettre un disque avec grand orchestre, si vous êtes comme moi, vous vous attendez au pire! Vous vous dites, voilà les nappes de violons qui vont bien enrober et lisser cette jolie voix pour rendre le tout consommable par le plus grand nombre. Bienvenue, le succès commercial, exit l'originalité et la personnalité qui nous avait séduits au départ. Ah! C'est bien mal connaître cette grande interprète qu'est Elisabeth Kontomanou que d'avoir pensé un seul instant qu'une chose pareille pourrait lui arriver!

Tout dans cet album respire la classe, la grande classe. À commencer par le livret, qui contient de magnifiques photos et qui vaut à lui seul le prix d'achat! Ah! Si seulement les fabricants se donnaient cette peine plus souvent, les ventes de CD ne seraient pas aussi désastreuses! Et combien de fois, en écoutant ce disque, est-ce que j'ai pensé à Ella, la grande Dame du jazz? La comparaison n'est pas fortuite. Je pense particulièrement à la chanson Come Sunday, très touchante, qui vous fait vibrer à l'intérieur. La chanson titre, Siren Song, nous introduit en douceur dans cet univers d'une façon très classique alors que l'orchestre démontre tout son savoir-faire. Mais déjà, on sent que la chanteuse mène le bal en marquant bien la note. Plus la chanson avance, plus le piano et la batterie prennent d'insistance dans le mix pour nous amener vers un swing final bien chaloupé. En général, le piano de Laurent Courthaliac, la contrebasse de Thomas Bramerie et la batterie de Donald Kontomanou sont placés en avant dans le mix sonore, ce qui donne la propulsion nécessaire pour soutenir l'intérêt des amateurs de jazz. Et il vous faut entendre la pièce finale I Put A Spell On You, alors qu'Elisabeth s'amuse à ensorceler son public! Vous comprendrez alors qui mène le bateau…

Écoutez la magnifique chanson At Last de l'album Siren Song sur MySpace

Évidemment, l'Orchestre National de Lorraine est une pure merveille. Avec 76 musiciens de haut calibre, il serait si facile de faire de l'esbroufe. Au contraire, les arrangements sont tout en finesse, d'une beauté à faire rêver. Alors, si vous n'avez pas encore découvert cette grande chanteuse de jazz, offrez vous un merveilleux cadeau de Noël et courez acheter ce disque.

Et si l'envie vous en prend, considérez aussi les autres parutions de la talentueuse Elisabeth Kontomanou, l'album Back To My Groove ainsi que les albums Midnight Sun et Waitin' for Spring. Je vous suggère aussi la lecture du billet de Ptilou au sujet du dernier spectacle d'Elisabeth à Paris en octobre dernier agrémenté de superbes photos de la Sublime.

Quant à moi, je crois bien que je vais passer la journée à écouter la sublime Elisabeth. Ce sera ma fête toute la journée, tiens!

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Cusson, Mervil, Montcalm - Cafe Elektric

2009-11-13T14:30:00.008-05:00

Critique CD

Parfois on discute de tout et de rien autour d'un plat de sushi et PAF!, on tombe sur un truc qui nous avait échappé. Une musique qui nous laissait un peu froid de prime abord, et puis, on se débouche les oreilles et l'on écoute… Michel Cusson, ex-membre d'UZEB à qui l'on doit les musiques des films Omerta et Un homme et son péché, du spectacle Cavalia et bien d'autres, était en quête d'un projet plus personnel depuis déjà un bon moment. Il souhaitait collaborer avec ses amis Luck Mervil et Térez Montcalm mais aussi créer un projet en français.

Cusson et son coréalisateur Kim Gaboury ont imaginé et développé un espace musical baptisé Café Élektric dans lequel chaque participant est amené à échanger et à se surpasser. Chanteur, comédien et artiste engagé, Luck Mervil contribue au projet par son groove et son énergie contagieuse sur scène. Guitariste hors pair, Térez Montcalm ajoute son swing et sa voix hors du commun. L'album du trio, évidemment intitulé Café Élektric, a été lancé le 3 novembre dernier sur étiquette Go-Musique.

On peut en entendre des extraits sur le MySpace du groupe. Très cinématographique, la musique crée un bel univers. Cusson est passé maître en la matière avec la création de toutes ces trames sonores. La voix de Montcalm dans cet écrin me rappelle le style de Tom Waits. Une forme de contrepoint au côté assez lisse et travaillé de la musique. Mervil fait aussi preuve d'une belle présence. Ils seront en spectacle les 18 et 19 nov à l'Ex-Centris de Montréal et le 20 nov à L'Anglicane de Québec. À voir et à écouter.

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Frisson Jazz

2009-10-31T14:10:00.002-04:00

Bewitched, bothered and bewildered
Paroles de Lorenz Hart

I'm wild again, beguiled again
A simpering, whimpering child again
Bewitched, bothered and bewildered - am I

Couldn't sleep and wouldn't sleep
When love came and told me, I shouldn't sleep
Bewitched, bothered and bewildered - am I

Lost my heart, but what of it
He is cold I agree
He can laugh, but I love it
Although the laugh's on me

I'll sing to him, each spring to him
And long for the day when I'll cling to him
Bewitched, bothered and bewildered - am I

On notera que plusieurs vers de la chanson originale de Lorenz Hart furent modifiés pour en minimiser les connotations sexuelles. Ainsi Couldn't sleep And wouldn't sleep, Until I could sleep where I shouldn't sleep devint simplement Couldn't sleep and wouldn't sleep, When love came and told me, I shouldn't sleep. De plus, My mistake I agree devint He is cold I agree. Et la meilleure, And worship the trousers that cling to him (Je vénère les pantalons qui lui collent à la peau) devint And long for the day when I'll cling to him (Je me languis du jour où je me cramponnerai à lui). Il fut un temps où même les métaphores semblaient trop osées...

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La musique s’envole, les écrits restent

2009-10-30T17:12:00.003-04:00

Vous faites tranquillement vos petites affaires, puis un matin vous recevez ce courriel de votre hébergeur de données, File Den en l'occurrence, vous informant que vos mp3 qui résidaient sur les serveurs se sont volatilisés! En résumé, donc, que vos lecteurs n'ont plus accès à la musique qui était, jusqu'alors, à leur disposition. Ceci ne concerne que mes billets de 2006 et 2007, puisque j'ai changé de fournisseur par la suite. Vous pouvez toujours consulter les billets en question comme d'habitude, tel que ce billet sur Tineke Postma, mais la musique a tout simplement disparu. Notez que cela ne présente aucun inconvénient pour les billets récents et à venir. Malheureusement, je dois dire que la charge de travail pour remettre à niveau tous les anciens billets avec un nouvel hébergeur serait telle, qu'ils demeureront en l'état. Vous m'en voyez désolé.

Hello everyone,

I understand that you're all very (rightfully) frustrated with both the issue and lack of communication from us. I will attempt to describe the problem as simply as possible.

File Den data is split across 13 different storage servers, as inactive users' files are deleted, space becomes available on other servers and we have to do a lot of juggling around to ensure that continual access to files and accounts is possible. This results in the maintenance message for usually a very short period every once in a while for some users. We are currently working on a new storage system, of which will remove this neccessity and should be implemented within the next few weeks.

Each individual server has 5 (or more) hard disks in it, running in a RAID 5 setup. This gives us some redundancy in that if one disk fails, all the data remains in tact, unfortunately a few days ago when a hard disk failed, a second disk effectively also failed during the recovery process of which has resulted in the corruption of the data on that storage server.

We are working our very hardest (and have been continually over the last few days) to recover the data from this server via a variety of different techniques, however it's now looking likely that the data is not recoverable. We've setup a script of which is currently 'fixing' all the accounts affected, but we regret to say that user's affected have lost their data.

The only users that should be permanently affected by this issue are those of whom signed up in July 2009, January 2009 and 2006. Everyone else's data is perfectly safe and secure. Our new setup being introduced is far more redundant than our current rather dated setup so these problems should very much be an issue of the past.

Any paying customers please reply to this thread with your File Den username and we will offer a refund for your current payment term and upgrade your account further.

Once again I apologise for all the inconvenience inevitably caused by this, we're working hard to get everything back to normal.

Kind regards,

The File Den Team

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Swing Girls

2009-10-13T15:26:00.008-04:00

Le jazz et le cinéma asiatique, deux de mes passions réunies. Je croyais bien tomber sur un film intéressant avec ce Swing Girls, un film japonais de Shinobu Yaguchi paru en 2004. La musique est joliment bien troussée comme la vidéo en fait foi. Par contre, le scénario est d'une banalité convenue. Un groupe de jeunes filles décide de sécher le cours de rattrapage estival de maths pour livrer des déjeuners à la fanfare de l'école. Mais en raison de la paresse extrême des filles, les déjeuners sont avariés, et bientôt la fanfare entière tombe malade. Il incombera à Takuo, le seul rescapé, de reformer un nouvel orchestre avec les paresseuses jeunes étudiantes et mener les délurées apprenties au concours musical des groupes de lycée. On s'en doute, les cancres vont rapidement apprendre à jouer et devenir de redoutables jazzwomen. Bref, c'est l'histoire classique du Vilain Petit Canard qu'on a déjà vu un million de fois, mais le film est tout de même amusant et on peut dire qu'il est sauvé par la musique.

Selon le site web, les actrices ont toutes joué elles-mêmes les morceaux que l'on entend dans le film, et plusieurs d'entre elles ont d'ailleurs dû suivre des cours intensifs à la Yamaha Music School pour se mettre au niveau. Elles sont alors passées d'une ignorance totale de la musique à un brillant final de Big Band en quelques mois seulement. Un peu difficile à croire, mais bon, c'est du cinéma...

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